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Ein Rinderfarmarbeiter aus Alhalkere, der zu einem der meistgesammelten Künstler in der australischen Geschichte wurde.

Im Juni 1934 betrat eine junge Anmatyerre-Frau die MacDonald Downs Homestead, 100 Kilometer östlich ihres Stammesgebietes Alhalkere, um im Haus zu arbeiten und Vieh zusammenzutreiben. Ihr Name war Emily Kame Kngwarreye. Sie war etwa 24 Jahre alt. Jahrzehntelang lebte sie in der Welt der Viehzucht, der Zeremonien und des Landes, bevor sie jemals einen Pinsel in die Hand nahm. Als sie es schließlich im Sommer 1988 tat, war sie etwa 80 Jahre alt. In den folgenden acht Jahren schuf sie über 3000 Gemälde. Bis zu ihrem Tod im September 1996 in Alice Springs hatte sie das Verständnis der Welt für die Kunst der Aborigines grundlegend verändert.

Emily wurde um 1910 in Alhalkere im Utopia Homelands des Northern Territory, etwa 250 Kilometer nordöstlich von Alice Springs, geboren. Sie war das jüngste von drei Kindern einer Anmatyerre-Familie. Ihre Schwägerin war die Künstlerin Minnie Pwerle. Minnies Tochter Barbara Weir wurde später selbst eine bedeutende Künstlerin; Emily kümmerte sich sieben Jahre lang um sie, bis Weir im Rahmen des staatlichen Assimilationsprogramms für Kinder gemischter Herkunft zwangsweise aus ihrer Heimat entfernt wurde – einer der Tausenden Fälle, die als „Gestohlene Generationen“ bekannt wurden.

National Gallery of Australia (Facebook): Emily: I Am Kam, eine Produktion von Tamarind Tree Pictures für NITV, entstanden in Zusammenarbeit mit Screen Australia und Screen Territory.

Als Älteste und Hüterin der Ahnen des Anmatyerre-Volkes malte Emily schon Jahrzehnte vor der Einführung von Acrylfarben in Utopia für zeremonielle Zwecke. Ihr zweiter Vorname, Kame, bedeutet „gelbe Blume“ und „Samen der Bleistift-Yamswurzel“ (anwerlarr), einer Pflanze, deren Knollen in der Wüste eine lebenswichtige Nahrungsquelle darstellten und deren unterirdische Spuren immer wieder in ihren späteren Werken auftauchen. Sie war die Hüterin zweier bedeutender Traumzeitgeschichten: Alatyeye (Bleistift-Yamswurzel) und Kame (Yamswurzelsamen). Wenn sie schließlich ihre Gemälde beschrieb, war ihre Antwort stets dieselbe: „Alles, alles. Awelye, arlatyeye, arkerrthe, ntange, tingu, ankerre, intekwe, atnwerle und kame. Das ist es, was ich male, alles.“

Emily entdeckte die Batikkunst in den 1970er Jahren durch Erwachsenenbildungskurse an der Utopia Station. Dort lernte sie gemeinsam mit anderen Frauen in der späteren Utopia Women's Batik Group, die 1978 offiziell gegründet wurde. Die Technik war von der Sprachwissenschaftlerin und Kunstvermittlerin Jenny Green und anderen Mitarbeitern staatlich geförderter Bildungsprogramme in die Region eingeführt worden. Aborigine-Frauen, darunter auch Emily, passten sie ihren künstlerischen Vorstellungen an, indem sie mit Pinseln anstelle der traditionellen indonesischen Canting-Technik arbeiteten und so breitere, lebendigere Muster schufen. Ihre Batik-Phase dauerte über ein Jahrzehnt und legte den Grundstein für alle nachfolgenden Arbeiten.

Emily Kame Kngwarreye, Emu-Frau, Erstes Gemälde

Emily Kame Kngwarreyes erstes Acrylgemälde, Emu-Frau, 1988. Nationalmuseum von Australien.

Der Wendepunkt kam im Sommer 1988. Der CAAMA Shop (Central Australian Aboriginal Media Association) verteilte in Zusammenarbeit mit Utopia Art Sydney unter der Leitung von Rodney Gooch 100 Leinwände und Farben an die Künstlerinnen von Utopia. Es gab keine kommerziellen Erwartungen und keine Abgabefristen. Die Künstlerinnen wurden einfach eingeladen, ein neues Medium auszuprobieren. Emilys erstes Gemälde, „Emu-Woman“, war eines der 81 Werke, die zurückkamen. Es erregte sofort die Aufmerksamkeit der Kritiker. Die darauffolgende Ausstellung „A Summer Project“ wurde vollständig von der Holmes a Court Collection erworben und gab den Anstoß für die Malerkarrieren von Emily und Dutzenden anderer Künstlerinnen aus Utopia.

Ihr erster Stil, der sich zwischen 1989 und 1991 entwickelte, basierte auf Punkten: kunstvoll geschichtet, in Größe und Farbe variierend, manchmal übereinander liegend, um Tiefe und Bewegung zu erzeugen. Während die Papunya-Tula-Tradition die Punktmalerei in sorgfältige, klar abgegrenzte Muster formalisiert hatte, war Emilys Version etwas völlig anderes: dichte Felder von Markierungen, die zu pulsieren schienen. 1992 waren ihre Leinwände so dicht geschichtet, dass die symbolische Untermalung darunter nicht mehr sichtbar war. Sie bewegte sich auf Abstraktion zu, blieb aber in ihrem eigenen Verständnis zutiefst konkret: Die Punkte waren Land, Zeremonie, die Spuren von Yamswurzeln unter der Erde.

Mit wachsendem Selbstvertrauen erweiterte sie ihr Repertoire. Sie begann, mit großen Pinseln zu arbeiten, schneller und großflächiger, manchmal zog sie den Pinsel beim Tupfen hinter sich her und erzeugte so Linien aus aufeinanderfolgenden Strichen. Mitte der 1990er-Jahre entwickelte sie die sogenannte „Dump-Dump“-Technik: Große, mit Farbe getränkte Pinsel werden so auf die Leinwand gedrückt, dass sich die Borsten teilen und die Farbe auf der Oberfläche vermischt, wodurch strukturierte, fast dreidimensionale Farbtöne entstehen. Werke wie „Alaqura Profusion“ (1993), das mit einem Rasierpinsel in leuchtenden Farben geschaffen wurde, zeigen die Technik in ihrer überschwänglichsten Form. Später, in ihren letzten Jahren, vereinfachten sich die Striche noch weiter. Dicke Acrylstreifen, inspiriert von Awelye, den Mustern, die Anmatyerre-Frauen zu Zeremonien auf ihre Körper malen, durchziehen Leinwände, die für westliche Augen abstrakt wirken, in ihren Worten aber so präzise wie eine Landkarte sind.

Emilys erste Einzelausstellung fand 1990 in der Utopia Art Gallery in Sydney statt. 1992 reiste sie nach Canberra, um von Premierminister Paul Keating und dem Australia Council ein Stipendium für australische Künstler entgegenzunehmen. Die Nachfrage nach ihren Werken war zu diesem Zeitpunkt enorm und überstieg ihre Kapazitäten, sie zu befriedigen. Dies zog auch jene Spekulanten an, die der kommerzielle Boom indigener Kunst in den 1990er-Jahren anzog.

1997, im Jahr nach ihrem Tod, vertrat Emily Australien auf der Biennale in Venedig gemeinsam mit Yvonne Koolmatrie und Judy Watson. Die Ausstellung mit dem Titel „Fluent“ war eine generationsübergreifende Schau, die das gesamte Spektrum der künstlerischen Erfahrung der Aborigines widerspiegeln sollte. Es war das erste Mal, dass Australien ein rein weibliches Team aus Aborigines nach Venedig entsandte.

Die Auktionsergebnisse ihrer Werke spiegeln ihren Status wider. 2007 wurde ihr großformatiges, vierteiliges Gemälde „Earth’s Creation“ (1994) mit den Maßen 2,7 x 6,3 Meter bei Lawson-Menzies in Sydney für 1.056.000 AUD versteigert – der bis dahin höchste Preis, der jemals für eine australische Künstlerin erzielt wurde. 2017 wechselte dasselbe Gemälde über den CooeeArt Marketplace erneut den Besitzer und erzielte 2.100.000 AUD, womit es abermals einen Rekordpreis für eine australische Künstlerin erreichte. Vor diesem Verkauf war das Gemälde im Nationalmuseum von Australien, im Nationalmuseum für Kunst in Osaka und auf der 56. Biennale von Venedig im Jahr 2015 ausgestellt worden.

Eine große Retrospektive, kuratiert von den indigenen Kuratorinnen Kelli Cole und Hetti Perkins, wurde im Dezember 2023 in der National Gallery of Australia eröffnet und lief bis April 2024. Anschließend wurde die Ausstellung in die Tate Modern in London verlegt, wo sie vom 10. Juli 2025 bis zum 11. Januar 2026 zu sehen war – die erste große Präsentation ihrer Werke in Europa. Dass diese beiden Institutionen sich für eine Zusammenarbeit an einer Retrospektive einer Künstlerin entschieden, die ihr ganzes Leben in einer abgelegenen Wüstengemeinde verbrachte, weniger als zwanzig Wörter Englisch sprach und erst mit Ende siebzig mit dem Malen begann, ist kein Zufall. Es ist der Kern der Sache.

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Literaturhinweise und weiterführende Literatur