Emily Kame Kngwarreye: Leben und Kunst

Das künstlerische Talent ihrer Familie war bemerkenswert. Als jüngste von drei Geschwistern war sie mit der gefeierten Künstlerin Minnie Pwerle und ihrer Nichte Barbara Weir verwandt. Diese familiäre Verbindung zu prominenten Aborigine-Künstlern unterstreicht das reiche künstlerische Erbe, das Emily mitbrachte.

Emilys frühes Leben war geprägt von den traditionellen Aktivitäten der Aborigine-Frauen ihrer Zeit. Sie nahm an zeremoniellen Praktiken teil und verrichtete körperliche Arbeit auf Viehfarmen, was einen deutlichen Kontrast zu ihren späteren künstlerischen Bemühungen darstellte. Im Juni 1934 markierte ihre Arbeit auf dem MacDonald Downs Homestead einen bedeutenden Abschnitt ihres Lebens und legte den Grundstein für ihre Widerstandsfähigkeit und Anpassungsfähigkeit – Eigenschaften, die später ihre künstlerische Karriere prägen sollten.

Ihre Reise in die Welt der Kunst begann relativ spät. Erst um 1988, als sie etwa 80 Jahre alt war, durchlief Emily eine tiefgreifende künstlerische Metamorphose. Sie wechselte von der traditionellen Batik-Textilkunst, die sie seit 1977 praktizierte, zum damals unbekannten Medium der Acrylmalerei. Dieser Wechsel war nicht nur ein persönlicher Meilenstein, sondern auch ein bedeutendes Ereignis in der australischen Kunstgeschichte und markierte einen Wandel in der Wahrnehmung und im Ausdruck der Aborigine-Kunst.

Emily Kame Kngwarreyes erstes Acrylgemälde, Emu-Woman, National Museum of Australia

Vor ihrer Acrylmalerei konzentrierten sich Emilys künstlerische Bemühungen vor allem auf traditionelle zeremonielle Malerei in der Region Utopia. Ihre Ausflüge in die Batik, eine Textilfärbetechnik, begann sie unter der Anleitung von Yipati, einer Pitjantjatjara-Künstlerin. Diese Anleitung wurde von Suzanne Bryce, Jenny Green und Julia Murray ergänzt. Die Batiktechnik, die 1974 von Bryce und Green in den Northern Territories eingeführt wurde, war eine Methode, bei der heißes Wachs vor dem Färben auf Stoff aufgetragen wird, wodurch komplizierte Muster entstehen. Aborigine-Künstler, darunter Emily, passten diese Technik ihrem künstlerischen Empfinden an und verwendeten Pinsel anstelle der traditionellen indonesischen Kantierung. So entstanden breitere, lebendigere Muster auf dem Stoff, eine stilistische Innovation, die eine transformative Zeit für Aborigine-Künstlerinnen markierte, die traditionell auf Nebenrollen hinter männlichen Malern beschränkt waren.

1978 gründete Emily zusammen mit anderen prominenten Aborigine-Künstlern die Utopia Women's Batik Group. Diese Gruppe begann zunächst als Gemeinschaftsprojekt, entwickelte sich aber schließlich zu einer Plattform, auf der einzelne Künstlerinnen ihre einzigartige künstlerische Identität entwickeln und zum Ausdruck bringen konnten. Sie spielte eine entscheidende Rolle bei der Stärkung aborigine-amerikanischer Künstlerinnen und der Förderung von Gemeinschaftsgefühl und kollektivem künstlerischen Ausdruck.

Das Jahr 1988 war für Emily ein Wendepunkt. Das vom CAAMA Shop und Utopia Art Sydney initiierte „A Summer Project“ markierte einen Wendepunkt in ihrer Karriere. Rodney Gooch, der Leiter der Central Australian Aboriginal Media Association (CAAMA), leistete entscheidende Unterstützung, indem er Leinwände und Farben an die Frauen von Utopia verteilte und sie ermutigte, ohne kommerziellen Druck mit Acrylfarben zu experimentieren.

Im Rahmen dieses Projekts schufen Emily und 79 weitere Malerinnen insgesamt 81 Werke. Dies war ein bahnbrechender Moment für Aborigine-Frauen in der Kunstwelt, da es ihnen eine Plattform bot, ihr Talent und ihre Kreativität auf einer größeren Bühne zu präsentieren. Emilys Malansatz war unverwechselbar und unkonventionell. Sie breitete große Leinwandflächen auf dem Boden aus und malte im Schneidersitz mit einem ausgestreckten Pinsel. Diese Methode, die manchmal dazu führte, dass ihre Werke versehentlich Hundeabdrücke enthielten, unterstrich ihren authentischen und unprätentiösen Stil.

Ihre ersten Gemälde zeichneten sich durch eine gewagte und einfallsreiche Anwendung der Punktiertechnik aus. Obwohl dieser Stil in der Kunst der Aborigines der Central Desert vorherrschend ist, war Emilys Interpretation ihre ganz eigene. Ihre Punkte waren komplex und facettenreich und vermittelten ein Gefühl von dynamischer Bewegung und Tiefe.

Emilys Kunst war tief in ihrer Verbundenheit mit ihrer Stammesheimat Alhalkere verwurzelt. Ihre Werke zeigten die lokale Flora, Fauna und Traumzeitfiguren, integrale Bestandteile ihrer Anmatyerre-Kultur. Die Punkte in ihren Kunstwerken strahlten die Lebendigkeit und Kraft der australischen Landschaft aus, geprägt von rhythmischen Mustern und lebendigen, kontrastierenden Farbtönen.

Ein wiederkehrendes Motiv ihrer Kunst war die Yamspflanze, eine lebenswichtige Nahrungsquelle in der Wüstenlandschaft. Ihr zweiter Vorname „Kame“, was „gelbe Yamsblüte“ bedeutet, drückte ihre tiefe Verbundenheit mit dieser lebenswichtigen Pflanze aus. Ihre Kunst war nicht nur ein Augenschmaus, sondern auch ein erzählerisches Medium, das die facettenreiche Essenz des Lebens und der Kultur ihrer Gemeinschaft, einschließlich der Bedeutung der Yamspflanzen, einfing.

Mit wachsendem Vertrauen in dieses Medium erweiterte Emily ihr künstlerisches Spektrum. Sie begann mit kräftigen Linien zu experimentieren, einem weiteren entscheidenden Element ihrer künstlerischen Entwicklung. Ihre Strichmalereien, geprägt von schwungvollen, fließenden Strichen, markierten eine Abkehr von der detaillierten Punktierung ihrer früheren Werke. Diese Linien, oft groß und durchgehend, durchzogen die Leinwand und fingen die Weite und Offenheit der utopischen Wüste ein. Dieser Ansatz stand in starkem Kontrast zu ihrer dichten Punktierung, vermittelte aber ebenso wirkungsvoll die Essenz ihrer kulturellen und ökologischen Wurzeln.

Ein bemerkenswertes Merkmal von Emilys Werk war ihre „Dump-Dump“-Methode, bei der sie Farbe in großen, schwungvollen Strichen auftrug. Diese Technik erzeugte strukturierte, fast dreidimensionale Oberflächen auf ihren Leinwänden und verlieh ihren Werken zusätzliche Tiefe und Komplexität. Die „Dump-Dump“-Methode veranschaulichte ihre Bereitschaft, von traditionellen Normen abzuweichen und neue Wege zu finden, um ihre Verbindung zu ihrer Heimat und Kultur auszudrücken.

In ihren späteren Jahren umfassten Emilys Werke auch das, was oft als „Linienarbeit“ bezeichnet wird. Diese Phase war durch einen minimalistischeren Ansatz gekennzeichnet, der weniger Farben und einfachere, abstraktere Designs verwendete. Diese Werke waren tief reflektierend und introspektiv und spiegelten eine reife Künstlerin auf dem Höhepunkt ihres kreativen Könnens wider, die selbstbewusst das Überflüssige eliminierte, um sich auf den Kern ihrer Botschaft zu konzentrieren.

Während ihrer gesamten Karriere ehrte Emily stets ihr Erbe und erweiterte gleichzeitig die Grenzen der Aborigine-Kunst. Ihre bahnbrechenden Techniken und ihr kühner Umgang mit Farbe und Form verschafften ihr nationale und internationale Anerkennung. Ihre Kunst ging über die bloße Darstellung ihrer physischen Umgebung hinaus und verkörperte vielmehr ihre spirituelle Verbundenheit mit dem Land und ihrer Kultur.

Emilys künstlerisches Talent erlangte internationale Anerkennung. 1992 wurde sie von Premierminister Paul Keating und dem Australia Council mit einem Australian Artist's Creative Fellowship ausgezeichnet. Ihre Teilnahme an der Biennale von Venedig 1993 festigte ihren Ruf als weltweite Künstlerin. Ihre Teilnahme an einem solch prestigeträchtigen internationalen Event war nicht nur eine persönliche Errungenschaft, sondern auch ein stolzer Moment für die Aborigines, da sie ihr reiches kulturelles Erbe auf einer globalen Plattform präsentierte.

Die Nachfrage nach Emilys Kunstwerken stieg national und international rasant an, und ihre Gemälde erzielten bemerkenswerte Auktionspreise. Ihr Meisterwerk „Earth's Creation I“ stellte einen Rekord auf dem Kunstmarkt auf und wurde 2007 zum teuersten Kunstwerk einer australischen Künstlerin, als es für 1.056.000 australische Dollar verkauft wurde. Dieser Rekord wurde noch übertroffen, als dasselbe Gemälde 2017 2.100.000 australische Dollar erzielte – ein Beweis für ihren anhaltenden Einfluss und die wachsende Wertschätzung der Aborigine-Kunst.

Der Anstieg der Nachfrage nach indigener Kunst in den 1990er Jahren brachte jedoch auch Herausforderungen mit sich. Der Markt zog opportunistische Kunsthändler an, und Emily, eine angesehene Künstlerin, sah sich der unerbittlichen Aufmerksamkeit einzelner Künstler ausgesetzt . auf der Suche nach schnellen finanziellen Gewinnen.

Emily Kame Kngwarreyes künstlerischer Werdegang zeugt von ihrer Widerstandsfähigkeit, Anpassungsfähigkeit und ihrem unerschütterlichen Engagement für ihre Kultur und ihr Erbe. Eine bedeutende Entwicklung: Bis zum 28. April 2024 ist in der National Gallery of Australia eine große Ausstellung ihres Gesamtwerks zu sehen. Diese prestigeträchtige Ausstellung zeugt von ihrem nachhaltigen Einfluss auf die Kunstwelt und wird in Kürze in der Tate Gallery in London zu sehen sein, wo sie ihren Status als internationale Kunstikone weiter festigt.

Ihre Geschichte geht über die Grenzen der Kunst hinaus und dient als inspirierende Erzählung von kulturellem Erhalt, künstlerischer Innovation und der Kraft des kreativen Ausdrucks, Gemeinschaften und Kulturen zu verbinden. Emilys Werk bleibt ein lebendiges und dynamisches Zeugnis der reichen Aborigine-Kultur und ihrer wichtigen Rolle in der globalen Kunstgeschichte. Ihr Vermächtnis inspiriert weiterhin neue Künstlergenerationen in Australien und weltweit, und ihre Beiträge zur Kunstwelt werden als Leuchtturm kultureller Widerstandsfähigkeit und künstlerischer Brillanz gefeiert.

25 berühmte Aborigine-Künstler, die Sie kennen sollten