Emily Kame Kngwarreye : vie et art

Les prouesses artistiques de sa famille étaient remarquables. Cadette d'une fratrie de trois, elle était apparentée à la célèbre artiste Minnie Pwerle et à sa nièce, Barbara Weir, artiste accomplie. Ce lien familial avec d'éminents artistes aborigènes souligne le riche héritage artistique d'Emily.

La jeunesse d'Emily fut marquée par des activités traditionnelles typiques des femmes aborigènes de son époque. Elle participait à des pratiques cérémonielles et effectuait des travaux manuels dans des élevages de bétail, ce qui contrastait fortement avec ses activités artistiques ultérieures. En juin 1934, son travail à la ferme MacDonald Downs marqua une étape importante de sa vie, jetant les bases de sa résilience et de son adaptabilité, traits qui définiraient plus tard sa carrière artistique.

Son parcours artistique a débuté relativement tard. Ce n'est que vers 1988, alors qu'elle avait environ 80 ans, qu'Emily a connu une véritable métamorphose artistique. Elle est passée de l'art textile traditionnel du batik, qu'elle pratiquait depuis 1977, à la peinture acrylique, un médium alors inconnu. Cette transition a marqué non seulement une étape personnelle, mais aussi un événement majeur dans l'histoire de l'art australien, marquant un tournant dans la perception et l'expression de l'art aborigène.

Première peinture acrylique d'Emily Kame Kngwarreye, Emu-Woman, Musée national d'Australie

Avant de se consacrer à la peinture acrylique, Emily se consacrait principalement à la peinture cérémonielle traditionnelle dans la région d'Utopia. Son incursion dans le batik, une technique de teinture textile, débuta sous la tutelle de Yipati, une artiste pitjantjatjara. Suzanne Bryce, Jenny Green et Julia Murray complétèrent ses connaissances. La technique du batik, introduite dans les Territoires du Nord en 1974 par Bryce et Green, consistait à appliquer de la cire chaude sur le tissu avant la teinture, créant ainsi des motifs complexes. Des artistes aborigènes, dont Emily, adaptèrent cette technique à leur sensibilité artistique, utilisant des pinceaux plutôt que le traditionnel canting indonésien. Cela conduisit à la création de motifs plus larges et plus animés sur le tissu, une innovation stylistique qui marqua une période de transformation pour les femmes artistes aborigènes, traditionnellement reléguées à des rôles secondaires derrière les peintres masculins.

En 1978, Emily et plusieurs autres artistes aborigènes de renom ont fondé le Groupe de Batik des Femmes Utopia. Initialement une initiative communautaire, ce groupe a évolué pour devenir une plateforme où les artistes pouvaient cultiver et exprimer leur identité artistique unique. Il a joué un rôle crucial dans l'autonomisation des femmes artistes aborigènes et a favorisé le développement d'un sentiment d'appartenance à la communauté et de l'expression artistique collective.

L'année 1988 fut décisive pour Emily. Le « Projet Été », lancé par la boutique CAAMA et Utopia Art Sydney, marqua un tournant dans sa carrière. Rodney Gooch, directeur de la Central Australian Aboriginal Media Association (CAAMA), apporta un soutien crucial en distribuant des toiles et des peintures aux femmes d'Utopia, les encourageant à expérimenter l'acrylique sans la pression des exigences commerciales.

Au cours de ce projet, Emily et 79 autres peintres ont produit un total de 81 œuvres. Ce fut un moment marquant pour les femmes autochtones dans le monde de l'art, car cela leur a permis de mettre en valeur leur talent et leur créativité sur une scène plus vaste. L'approche picturale d'Emily était unique et non conventionnelle. Elle étalait de larges pans de toile au sol et peignait en tailleur, le pinceau tendu. Cette méthode, qui lui servait parfois à inclure accidentellement des empreintes de chien dans ses œuvres, mettait en valeur son style authentique et sans prétention.

Ses premières peintures se distinguaient par une application audacieuse et inventive de la technique du pointillage. Si ce style est répandu dans l'art aborigène du désert central, l'interprétation d'Emily était unique. Ses points, finement superposés et multifacettes, conféraient une impression de mouvement dynamique et de profondeur.

L'art d'Emily était profondément ancré dans son lien avec sa tribu natale d'Alhalkere. Ses œuvres représentaient la flore, la faune et les figures du Temps du Rêve, éléments essentiels de sa culture anmatyerre. Les points de ses œuvres reflétaient la vivacité et la vigueur du paysage australien, marqué par des motifs rythmiques et des teintes vives et contrastées.

Un motif récurrent dans son art était l'igname, une plante vitale pour la subsistance en milieu désertique. Son deuxième prénom, « Kame », qui signifie « fleur d'igname jaune », témoignait de son profond lien avec cette plante essentielle. Son art n'était pas seulement un festin visuel, mais aussi un support narratif, incarnant l'essence multiforme de la vie et de la culture de sa communauté, notamment l'importance de l'igname.

Avec une confiance croissante dans ce médium, Emily a élargi son champ artistique. Elle a commencé à expérimenter le dessin au trait, un autre élément crucial de son développement artistique. Ses peintures au trait, marquées par des traits amples et fluides, marquaient une rupture avec le pointillé détaillé de ses premières œuvres. Ces lignes, souvent larges et continues, traversaient la toile, capturant l'immensité et l'ouverture du désert utopique. Cette approche contrastait fortement avec sa technique du pointillé dense, mais elle était tout aussi efficace pour transmettre l'essence de ses racines culturelles et environnementales.

Une caractéristique notable du travail d'Emily était sa méthode du « dump dump », qui consistait à appliquer la peinture par larges touches amples et amples. Cette technique produisait sur ses toiles des surfaces texturées, presque tridimensionnelles, conférant à son œuvre une profondeur et une complexité supplémentaires. Cette méthode illustrait sa volonté de s'écarter des normes traditionnelles et de découvrir de nouvelles voies pour exprimer son lien avec sa terre natale et sa culture.

Dans ses dernières années, les œuvres d'Emily adoptent également ce que l'on appelle souvent le « travail au trait ». Cette période se caractérise par une approche plus minimaliste, utilisant moins de couleurs et des motifs plus simples et abstraits. Profondément réfléchies et introspectives, ces œuvres reflètent une artiste mature au sommet de sa créativité, éliminant avec assurance le superflu pour se concentrer sur l'essentiel de son message.

Tout au long de sa carrière, Emily a toujours honoré son héritage tout en repoussant les limites de l'art aborigène. Ses techniques novatrices et son utilisation audacieuse de la couleur et de la forme lui ont valu une reconnaissance nationale et internationale. Son art transcendait la simple représentation de son environnement physique, incarnant plutôt son affinité spirituelle avec la terre et sa culture.

Le talent artistique d'Emily lui a valu une reconnaissance internationale. En 1992, elle a reçu une bourse de création artistique australienne décernée par le Premier ministre Paul Keating et le Conseil australien. Sa participation à la Biennale de Venise de 1993 a consolidé sa stature de sommité artistique mondiale. Sa participation à un événement international aussi prestigieux a été non seulement un accomplissement personnel, mais aussi un moment de fierté pour la communauté aborigène, mettant en valeur son riche patrimoine culturel sur une scène internationale.

La demande pour les œuvres d'Emily a explosé tant au niveau national qu'international, ses tableaux atteignant des prix d'enchères exceptionnels. Son chef-d'œuvre « La Création de la Terre I » a établi un record sur le marché de l'art, devenant l'œuvre la plus chère d'une artiste australienne, vendue 1 056 000 dollars australiens en 2007. Ce record a été encore battu lorsque le même tableau a été adjugé 2 100 000 dollars australiens en 2017, témoignant de son influence durable et de l'intérêt croissant pour l'art aborigène.

Cependant, l'essor de la demande d'art autochtone dans les années 1990 a entraîné son lot de défis. Le marché a attiré des marchands d'art opportunistes, et Emily, artiste reconnue, a dû faire face à une attention particulière de la part de particuliers (les « carpet baggers »). à la recherche de gains financiers rapides.

Le parcours artistique d'Emily Kame Kngwarreye témoigne de sa résilience, de sa capacité d'adaptation et de son dévouement indéfectible à sa culture et à son patrimoine. Fait marquant, une exposition majeure de son œuvre est présentée à la National Gallery of Australia jusqu'au 28 avril 2024. Cette exposition prestigieuse témoigne de son influence durable sur le monde de l'art et s'apprête à être présentée à la Tate Gallery de Londres, consolidant ainsi sa position d'icône internationale des arts.

Son histoire transcende les frontières de l'art, témoignant de la préservation culturelle, de l'innovation artistique et du pouvoir de l'expression créative comme trait d'union entre les communautés et les cultures. L'œuvre d'Emily demeure un témoignage vivant et dynamique de la richesse de la culture aborigène et de sa place essentielle dans le récit artistique mondial. Son héritage continue d'inspirer les nouvelles générations d'artistes, en Australie et dans le monde entier, et ses contributions au monde de l'art sont célébrées comme un exemple de résilience culturelle et de génie artistique.

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