Alexandra Crosby , University of Technology Sydney ; Jason De Santolo , University of Technology Sydney ; Peter McNeil , University of Technology Sydney , und Treena Clark , University of Technology Sydney
Indigene Australier haben seit dem ersten Kontakt die moderne australische Kleidung beeinflusst. Von Umhängen aus Opossum-Haut und Booka- Känguru-Umhängen bis hin zu Muschelketten in Tasmanien waren die Europäer von indigenen Materialien, Fertigkeiten und Ästhetik fasziniert. Sie haben sie mehr als 200 Jahre lang gestohlen, gekauft, geliehen und getragen.
Im Gegenzug trugen indigene Australier zuweilen gern die roten Soldatenjacken als Kampfbeute und machten sich möglicherweise über die Europäer lustig, indem sie in den frühen Straßen von Sydney übermütig ihre Zylinder trugen.
Später, als die ersten Australier von ihrem Land vertrieben und in Reservate und Missionen getrieben wurden, wurde ihnen Kleidung auferlegt, die von formlosen „Mutter Hubbard“-Kleidern für Frauen bis zu schäbigen, aber respektablen zweiteiligen Wollanzügen für Männer reichte.
Traditionelle Kleidungspraktiken sowie Zeremonien, Sprache und Musik wurden von den Kolonisatoren häufig verboten. Missionare lehrten oft Männer Lederarbeiten im westlichen Stil und Frauen Handarbeiten – doch es entstanden auch kraftvolle Hybride selbstbestimmter Kleidung, die subversive Gesten und stillen Widerstand zum Ausdruck brachten.
Mitte des 20. Jahrhunderts begannen missionarische Nonnen im hohen Norden Australiens, indigenen Frauen die Herstellung ihrer eigenen Textilien zu ermöglichen. Das Ergebnis waren farbenfrohe Stoffe mit ungewöhnlichen Motivkombinationen. Als ab den 1970er Jahren in ganz Australien Zentren für indigene Kunst entstanden, meist in abgelegenen Gemeinden, erzeugte die fruchtbare Mischung aus Malerei und Textildesign völlig neue Looks – was zur indigenen Textilrevolution führte.
Eine Zeit lang galt die indigene australische Kunst oft als die Zukunft eines typisch australischen Designs, wie die Energie von Jenny Kee und Linda Jackson in den 1970er-Jahren zeigt, doch im Großen und Ganzen wurde indigenes Design nicht als eigenständiges Design anerkannt. Dies ändert sich nun – das indigene Modedesign wird heute auf allen Ebenen von Ureinwohnern geprägt.
Letztes Wochenende fand im Larrakia Country die Darwin Aboriginal Art Fair statt. Zum zweiten Mal in Folge füllte eine große Modeparade, die eher einer Aufführung ähnelte, das große Kongresszentrum von Darwin. Die Modeveranstaltung From Country to Couture, die am 7. August stattfand, präsentierte Mode und Textildesign. Aber es gab einen sehr großen Unterschied zu der Art und Weise, wie eine solche Parade in den 1980er oder sogar 1990er Jahren ausgesehen hätte.
Bei indigener Mode geht es um eine neue Gestaltung der Selbstbestimmung. From Country to Couture wurde aus rein indigenen Gesichtspunkten entworfen, koordiniert, produziert, kuratiert und mobilisiert. Dies zeigte sich auf viele eindrucksvolle Arten – von der Einbeziehung indigener Vorbilder bis hin zu den tiefgründigen Klängen eines „Black Power“-Musiktitels.
Die diesjährige Kreativdirektorin der Veranstaltung war Grace Lillian Lee, deren eigene Entwürfe sich in bedeutenden Sammlungen befinden, darunter im Museum of Applied Arts and Sciences (Sydney). Grace leitet außerdem ein Projekt namens First Nation Fashion + Design , das die Beziehungen zwischen indigenen Künstlern und der Modebranche pflegt. Lee merkt an, dass sie „schwarzen Frauen und Männern die Möglichkeit gibt, ihre Stimme im Modebereich zu erheben, der nicht immer offen politisch sein muss, sondern einfach schön sein und eine Menge Spaß machen kann“.
Lee arbeitete mit Dutzenden von Künstlern zusammen, hauptsächlich aus abgelegenen indigenen Kunstzentren. Die textilen Ansätze reichten von Siebdruck, Batik, Weben, Naturfärben, Digitaldruck und Stickerei. Einige dieser Kooperationen hatten die Energie neuer Experimente, andere dauern noch an.
Die Jubiläumskollektion des Tiwi-Bekleidungslabels Bima Wear feierte in Zusammenarbeit mit Clair Helen das 50-jährige Bestehen des kreativen Unternehmens für Frauen. Die Designs arbeiteten mit den typischen geometrischen Mustern von Bima in kräftigen Kombinationen. Die Botschaft drehte sich sowohl um eine ethische, von der Gemeinschaft geführte Industrie als auch um schöne Textilien und Kleidung.
Mode war schon immer kooperativ. Es stützt sich auf die vielfältigen Fähigkeiten von Textildesignern, Herstellern, versteckten Händen oder Machern ( Petits Mains auf Französisch), Stylisten, Vermarktern, Fotografen, Händlern und Designern. Doch seit dem späten 18. Jahrhundert wurde die Idee der Mode rund um eine einflussreiche Person entwickelt – den High-Fashion-Designer.
Indigene Mode stellt diesen Fokus auf Heldendesigner in Frage – von denen viele Männer in der westlichen Gesellschaft sind. Basierend auf tiefem Engagement in der Gemeinschaft stellt es das herkömmliche Verständnis des Modedesigners als einziger, individueller Autorin in Frage und greift auf die Talente einer großen Anzahl von Frauen zurück.
Lees Darwin-Event war sowohl eine kulturelle Darbietung als auch eine Modeparade und bot ein Bühnenbild und eine Erzählung über Rauchen, Verbrennen und Regeneration, um die sechs Kollektionen miteinander zu verbinden, unterbrochen von Tanzaufführungen von Luke Currie-Richardson und Yolanda Lowatta.
From Country to Couture hob hervor, wie der Erfolg der Textildesign-Bewegung in abgelegenen indigenen Gemeinden die High-End-Mode in Australien geprägt hat. Aber es markierte auch einen neuen Weg nach vorn, der auf gemeinschaftlichen Beziehungen für das indigene Modedesign basiert. 
Alexandra Crosby , Dozentin für Design, University of Technology Sydney ; Jason De Santolo , außerordentlicher Professor, University of Technology Sydney ; Peter McNeil , angesehener Professor für Designgeschichte, UTS, University of Technology Sydney , und Treena Clark , Doktorandin, Indigene PR und Aktivismus, University of Technology Sydney
Dieser Artikel wurde von The Conversation unter einer Creative Commons-Lizenz erneut veröffentlicht. Lesen Sie den Originalartikel .