Über tausend Generationen hinweg machten die Aborigines keinen Unterschied zwischen Kunst und Handwerk. Kunst war und ist eine Lebensart, bei der es sowohl um Funktion als auch um Schönheit und Form geht. Künstlerische Formen werden weiterhin verwendet, um den Aborigines Fähigkeiten, Wissen und praktische Werkzeuge zu vermitteln, mit denen sie überleben, gedeihen und den australischen Kontinent verwalten können.
Die Idee, dass diese Kunstformen als „traditionell“ und „handwerklich“ marginalisiert werden sollten, ist ein Mythos, der durch den Aufstieg der Tjanpi-Wüstenweber zerstreut wird. Es ist ein Unternehmen des Ngaanyatjarra Pitjantjatjara Yankunytjatjara Women's Council (NPYWC), bei dem mehr als 300 Aborigine-Frauen aus 28 abgelegenen Gemeinden in den westlichen und zentralen Wüsten Australiens zusammenkommen, um ihre Kunst zu schaffen.
Für die Aborigines sind Handwerk und Kunst untrennbar miteinander verbunden, sei es beim Weben, beim Herstellen von Geräten, beim Tanzen und Singen oder beim Malen auf Felswänden und Körpern. Doch erst mit der Entstehung des Marktes für Aborigine-Kunst, der aus dem Souvenirhandel der 1960er-Jahre entstand, wurden Aborigine-Arbeiten vom zeitgenössischen australischen Kunstsektor als Kunst angesehen.
Diese Woche ist es ermutigend zu sehen, wie Künstler wie die Tjanpi Desert Weavers Meisterkurse am Victorian College of the Arts geben und auf der TarraWarra Biennale 2014 im Rahmen der Melbourne Art Fair gefeiert werden.
Kunst versus Handwerk
Allerdings haben wir noch so viel vor uns.
Die britischen Invasoren des Kontinents erkannten, dass die Kultur eine große Rolle bei der „Besiedlung“ des Landes spielte. Zusätzlich zum physischen Völkermord verweigerten sie den Aborigines ihre Kultur.
Einer der subtileren und anhaltenderen Aspekte dieses kulturellen Völkermords ist die Trennung von „Kunst“ und „Handwerk“ als zwei unterschiedliche Formen. Auf diese Weise wurde in Australien eine europäische Dominanz über den Rest der Kulturwelt ausgeübt – indem sichergestellt wurde, dass der von Weißen dominierte australische Kunstsektor weiterhin darüber entscheidet, was Kunst ist und was nicht.
In den frühen 1990er Jahren untersuchte der Pionierkünstler Lin Onus (der Vater eines der Autoren dieses Artikels) den Begriff der Ausgrenzung in der australischen Kunst anhand einer Reihe von Arbeiten, die sich mit den Werken des Illustrators Ellis Rowan aus dem 19. Jahrhundert befassten. Rowan wurde von der Ausstellung ausgeschlossen, als sich herausstellte, dass sie eine Frau und kein Mann war.
So wie die Vorstellung von Handwerk als Form dazu genutzt wird, Aborigines, Torres-Strait-Insulaner und andere kulturelle Gruppen an den Rand zu drängen, wird Handwerk oft als ausschließliche Domäne von Frauen angesehen. Wenn Handwerk mit kulturellen Werken und weiblicher Praxis gleichgesetzt wird, wird damit zwangsläufig, aber fälschlicherweise behauptet, dass zeitgenössische australische Kunst die Domäne weißer Männer sei.
Die aktuelle Würdigung der Tjanpi Desert Weavers als zeitgenössische australische Künstler steht im Widerspruch zu dieser Praxis. Der dieser Feier zugrunde liegende Gedanke sollte flächendeckend angewendet werden. Punktmalereien gelten fast einhellig als „traditionell“, während die Arbeit mit Acrylfarbe auf Leinwand in Wirklichkeit eine Innovation ist, die dafür sorgt, dass die Praxis zeitgemäß ist.
Auch wenn fast alle anderen Webereien nach wie vor als „traditionelles Handwerk“ gelten, können wir sie, sobald man die Funktion von der Form löst, als Kunst betrachten. Ein wesentlicher Bestandteil der Kultur der Aborigines ist der Glaube, dass Kunst funktional und dynamisch sein kann: Sie muss nicht an einer Wand in einer Galerie oder hinter einer Glasvitrine in einem Museum hängen, um als Kunst zu gelten.
Wahre Innovatoren
Wir sollten die Tjanpi Desert Weavers als wahre Erneuerer der zeitgenössischen Kunst betrachten. Die Arbeit, die sie leisten, ist das Herzstück der Kunst und Kultur der Aborigines. Sie sind aufschlussreiche Künstler, die in einem gemeinschaftlichen Kontext mit Materialien arbeiten, die ihnen leicht zur Verfügung stehen, wie bunte Wolle, Hühnerdraht und Gräser. Sie sind in der Lage, sich von über Generationen weitergegebenen Techniken inspirieren zu lassen, diese zu erneuern und sie mit ihren gelebten Erfahrungen des 21. Jahrhunderts zu verbinden.
Während es eine Selbstverständlichkeit sein sollte, dass alle großen Künstler die Welt um sich herum betrachten und ihre Erfahrungen und Ideen in der Form und dem Inhalt ihrer Arbeit widerspiegeln, wird dies irgendwie seltener auf Künstler der Aborigines und der Torres-Strait-Insulaner angewendet.
Zu oft sind die Aborigines nicht in der Lage, selbst zu definieren, wie sie der Welt als Künstler präsentiert werden. Dies ist für sie in einer Welt vordefiniert, in der es einen Unterschied zwischen „traditioneller“ Kunst und Handwerk und „zeitgenössischer“ Kunst gibt, einer Welt, in der die Kunst der Aborigines eine Ware ist.
So wie die Tjanpi Desert Weavers Innovatoren in ihrer gewählten Kunstform sind, so sind sie auch Innovatoren, wenn es darum geht, die Art und Weise zu verändern, wie die Kunstwelt die Kunst der Aborigines wahrnimmt. Sie stellen einen Präzedenzfall in der zeitgenössischen australischen Kunstwelt dar, der in der gesamten Branche aufgegriffen werden sollte.
Die TarraWarra Biennale 2014: Whisper in My Mask findet vom 16. August bis 16. November im TarraWarra Museum of Art statt.
Tiriki Onus , Dozentin für indigenes Wissen und kulturelle Praktiken, Wilin Centre for Indigenous Arts and Cultural Development, University of Melbourne und Eugenia Flynn , Betriebskoordinatorin, Wilin Centre for Indigenous Arts and Cultural Development, University of Melbourne
Dieser Artikel wurde ursprünglich auf The Conversation veröffentlicht. Lesen Sie den Originalartikel .