Emily Kame Kngwarreye: Leben und Kunst

Die künstlerische Begabung ihrer Familie war bemerkenswert. Als jüngste von drei Geschwistern war sie mit der gefeierten Künstlerin Minnie Pwerle und ihrer Nichte Barbara Weir verwandt. Diese familiäre Verbindung zu prominenten Aborigine-Künstlern unterstreicht das reiche künstlerische Erbe, das Emily innehatte.

Emilys frühes Leben war geprägt von traditionellen Aktivitäten, die typisch für die Aborigine-Frauen ihrer Zeit waren. Sie nahm an zeremoniellen Praktiken teil und verrichtete körperliche Arbeit auf Viehfarmen, was einen deutlichen Kontrast zu ihren späteren künstlerischen Bemühungen darstellte. Im Juni 1934 markierte ihre Arbeit auf dem MacDonald Downs Homestead eine bedeutende Phase ihres Lebens und legte den Grundstein für ihre Widerstandsfähigkeit und Anpassungsfähigkeit, Eigenschaften, die später ihre künstlerische Karriere prägen sollten.

Ihre Reise in die Welt der Kunst begann relativ spät im Leben. Erst um 1988, als sie etwa 80 Jahre alt war, erlebte Emily eine transformierende künstlerische Metamorphose. Sie wechselte von der traditionellen Batik-Textilkunst, die sie seit 1977 praktizierte, zum damals unbekannten Medium der Acrylmalerei. Dieser Übergang war nicht nur ein persönlicher Meilenstein, sondern auch ein bedeutendes Ereignis in der Geschichte der australischen Kunst, das einen Wandel in der Wahrnehmung und dem Ausdruck der Aborigine-Kunst markierte.

Emily Kame Kngwarreyes erstes Acrylgemälde, Emu-Woman, National Museum of Australia

Vor ihrer Acrylmalerei konzentrierten sich Emilys künstlerische Bemühungen vor allem auf traditionelle zeremonielle Malerei in der Region Utopia. Ihr Ausflug in die Batik, eine Textilfärbetechnik, begann unter der Anleitung von Yipati, einer Pitjantjatjara-Künstlerin. Diese Anleitung wurde von Suzanne Bryce, Jenny Green und Julia Murray ergänzt. Die Batiktechnik, die 1974 von Bryce und Green in den Northern Territories eingeführt wurde, war eine Methode, bei der heißes Wachs auf den Stoff aufgetragen wird, bevor er gefärbt wird, wodurch komplizierte Muster entstehen. Aborigine-Künstler, darunter Emily, passten diese Technik ihrem künstlerischen Empfinden an, indem sie Pinsel anstelle der traditionellen indonesischen Kantmalerei verwendeten. So entstanden breitere, lebendigere Muster auf dem Stoff, eine stilistische Innovation, die eine Wende für Aborigine-Künstlerinnen markierte, die traditionell auf Nebenrollen hinter männlichen Malern beschränkt waren.

1978 gründete Emily zusammen mit mehreren anderen prominenten Aborigine-Künstlern die Utopia Women's Batik Group. Diese Gruppe begann zunächst als Gemeinschaftsprojekt, entwickelte sich aber schließlich zu einer Plattform, auf der einzelne Künstler ihre einzigartige künstlerische Identität entwickeln und zum Ausdruck bringen konnten. Sie spielte eine entscheidende Rolle bei der Stärkung der Aborigine-Künstlerinnen und der Förderung eines Gemeinschaftsgefühls und kollektiven künstlerischen Ausdrucks.

Das Jahr 1988 war für Emily ein Wendepunkt. Das von CAAMA Shop und Utopia Art Sydney initiierte „A Summer Project“ war ein Wendepunkt in ihrer Karriere. Rodney Gooch, der Manager der Central Australian Aboriginal Media Association (CAAMA), leistete entscheidende Unterstützung, indem er Leinwände und Farben an die Frauen von Utopia verteilte und sie ermutigte, ohne den Druck kommerzieller Anforderungen mit Acrylfarben zu experimentieren.

Während dieses Projekts schufen Emily und 79 andere Maler insgesamt 81 Werke. Dies war ein bahnbrechender Moment für Aborigine-Frauen in der Kunstwelt, da es ihnen eine Plattform bot, ihr Talent und ihre Kreativität auf einer größeren Bühne zu präsentieren. Emilys Herangehensweise an die Malerei war unverwechselbar und unkonventionell. Sie breitete große Leinwandstücke auf dem Boden aus und malte im Schneidersitz mit einem ausgestreckten Pinsel. Diese Methode, die manchmal dazu führte, dass sie versehentlich Hundeabdrücke in ihre Werke einfließen ließ, unterstrich ihren authentischen und unprätentiösen Stil.

Ihre ersten Gemälde zeichneten sich durch eine gewagte und einfallsreiche Anwendung der Punktiertechnik aus. Obwohl dieser Stil in der Kunst der Aborigines der Central Desert weit verbreitet ist, war Emilys Interpretation eindeutig ihre eigene. Ihre Punkte waren aufwendig geschichtet und vielschichtig und vermittelten ein Gefühl von dynamischer Bewegung und Tiefe.

Emilys Kunst war tief in ihrer Verbindung zu ihrer Stammesheimat Alhalkere verwurzelt. Ihre Werke zeigten die lokale Flora, Fauna und Traumzeitfiguren, integrale Aspekte ihrer Anmatyerre-Kultur. Die Punkte in ihren Kunstwerken strahlten die Lebendigkeit und Kraft der australischen Landschaft aus, geprägt von rhythmischen Mustern und lebendigen, kontrastierenden Farbtönen.

Ein wiederkehrendes Motiv ihrer Kunst war die Yamspflanze, eine lebenswichtige Nahrungsquelle in der Wüstenumgebung. Ihr zweiter Vorname „Kame“, was „gelbe Yamsblüte“ bedeutet, drückte ihre tiefe Verbindung zu dieser lebenswichtigen Pflanze aus. Ihre Kunst war nicht nur ein Augenschmaus, sondern auch ein erzählerisches Medium, das die facettenreiche Essenz des Lebens und der Kultur ihrer Gemeinschaft einfing, einschließlich der Bedeutung der Yamspflanzen.

Mit wachsendem Vertrauen in dieses Medium erweiterte Emily ihre künstlerische Bandbreite. Sie begann mit kräftiger Linienführung zu experimentieren, ein weiteres entscheidendes Element ihrer künstlerischen Entwicklung. Ihre Strichmalereien, geprägt von schwungvollen, fließenden Strichen, markierten eine Abkehr von der detaillierten Punktierung ihrer früheren Werke. Diese Linien, oft groß und durchgehend, durchzogen die Leinwand und fingen die Weite und Offenheit der utopischen Wüste ein. Dieser Ansatz stand in starkem Kontrast zu ihrer dichten Punktierungstechnik, war jedoch ebenso wirksam bei der Vermittlung der Essenz ihrer kulturellen und ökologischen Wurzeln.

Ein bemerkenswertes Merkmal von Emilys Arbeit war ihre „Dump Dump“-Methode, bei der sie Farbe in großen, schwungvollen Strichen auftrug. Diese Technik erzeugte strukturierte, fast dreidimensionale Oberflächen auf ihren Leinwänden und verlieh ihrer Arbeit eine zusätzliche Ebene von Tiefe und Komplexität. Die „Dump Dump“-Methode veranschaulichte ihre Bereitschaft, von traditionellen Normen abzuweichen und neue Wege zu finden, um ihre Verbindung zu ihrer Heimat und Kultur auszudrücken.

In ihren späteren Jahren umfassten Emilys Arbeiten auch das, was oft als „Linienarbeit“ bezeichnet wird. Diese Phase war durch einen minimalistischeren Ansatz gekennzeichnet, bei dem weniger Farben und einfachere, abstraktere Designs verwendet wurden. Diese Stücke waren zutiefst reflektierend und introspektiv und spiegelten eine reife Künstlerin auf dem Höhepunkt ihrer kreativen Fähigkeiten wider, die selbstbewusst das Überflüssige eliminierte, um sich auf den Kern ihrer Botschaft zu konzentrieren.

Während ihrer gesamten Karriere ehrte Emily konsequent ihr Erbe und erweiterte gleichzeitig die Grenzen der Aborigine-Kunst. Ihre bahnbrechenden Techniken und ihr kühner Einsatz von Farbe und Form brachten ihr sowohl nationale als auch internationale Anerkennung ein. Ihre Kunst ging über die bloße Darstellung ihrer physischen Umgebung hinaus und verkörperte stattdessen ihre spirituelle Verbundenheit mit dem Land und ihrer Kultur.

Emilys künstlerisches Talent erlangte internationale Anerkennung. 1992 wurde sie von Premierminister Paul Keating und dem Australia Council mit einem Australian Artist's Creative Fellowship geehrt. Ihre Teilnahme an der Biennale von Venedig 1993 festigte ihren Status als globale künstlerische Koryphäe noch weiter. Ihre Teilnahme an einem so prestigeträchtigen internationalen Event war nicht nur eine persönliche Leistung, sondern auch ein stolzer Moment für die Aborigine-Gemeinschaft, da sie ihr reiches kulturelles Erbe auf einer globalen Plattform präsentierte.

Die Nachfrage nach Emilys Kunstwerken stieg sowohl national als auch international sprunghaft an, und ihre Gemälde erzielten bemerkenswerte Auktionspreise. Ihr Meisterwerk „Earth's Creation I“ stellte einen Rekord auf dem Kunstmarkt auf und wurde das teuerste Kunstwerk einer australischen Künstlerin, als es 2007 für 1.056.000 australische Dollar verkauft wurde. Dieser Rekord wurde noch übertroffen, als dasselbe Gemälde 2017 2.100.000 australische Dollar erzielte, ein Beweis für ihren anhaltenden Einfluss und die wachsende Wertschätzung für die Kunst der Aborigines.

Der Anstieg der Nachfrage nach indigener Kunst in den 1990er Jahren brachte jedoch eine Reihe von Herausforderungen mit sich. Der Markt zog opportunistische Kunsthändler an, und Emily, eine verehrte Künstlerin, war der unerbittlichen Aufmerksamkeit von Einzelpersonen (Teppichbaggern) ausgesetzt. auf der Suche nach schnellen finanziellen Gewinnen.

Emily Kame Kngwarreyes künstlerischer Werdegang ist ein Beweis für ihre Widerstandsfähigkeit, Anpassungsfähigkeit und unerschütterliche Hingabe an ihre Kultur und ihr Erbe. In einer bedeutenden Entwicklung ist bis zum 28. April 2024 eine große Ausstellung von Emily Kame Kngwarreyes Gesamtwerk in der National Gallery of Australia zu sehen. Diese prestigeträchtige Ausstellung ist ein Beweis für ihren anhaltenden Einfluss auf die Kunstwelt und wird bald in der Tate Gallery in London zu sehen sein, wo sie ihre Position als internationale Ikone der Künste weiter festigt.

Ihre Geschichte geht über die Grenzen der Kunst hinaus und dient als inspirierende Erzählung über Kulturerhaltung, künstlerische Innovation und die Kraft des kreativen Ausdrucks, Gemeinschaften und Kulturen zu verbinden. Emilys Werk bleibt ein lebendiges und dynamisches Zeugnis einer reichen Aborigine-Kultur und ihres wichtigen Platzes in der globalen Kunstgeschichte. Ihr Vermächtnis inspiriert weiterhin neue Künstlergenerationen, sowohl in Australien als auch weltweit, und ihre Beiträge zur Kunstwelt werden als Leuchtturm kultureller Widerstandsfähigkeit und künstlerischer Brillanz gefeiert.