Einkaufswagen

Emily Kame Kngwarreye: Leben und Kunst


Eine Rinderhirnin Alhalkere, die zu einer der meistgesammelten Künstlerinnen der australischen Geschichte wurde

Im Juni 1934 betrat eine junge Anmatyerre-Frau das MacDonald Downs Homestead, 100 Kilometer östlich ihres Landes Alhalkere, um im Haus zu arbeiten und Rinder zu sammeln. Ihr Name war Emily Kame Kngwarreye. Sie war vielleicht 24 Jahre alt. Sie verbrachte Jahrzehnte in dieser Welt der pastoralen Arbeit, der Zeremonien und des Landes, bevor sie jemals einen Pinsel in die Hand nahm. Als sie dies schließlich im Sommer 1988 tat, war sie etwa 80 Jahre alt. In den acht Jahren, die darauf folgten, schuf sie mehr als 3.000 Gemälde. Als sie im September 1996 in Alice Springs starb, hatte sie die Art und Weise verändert, wie die Welt die Kunst der Aborigines verstand.

Emily wurde um 1910 in Alhalkere geboren, in den Utopia-Heimatgebieten des Northern Territory, etwa 250 Kilometer nordöstlich von Alice Springs. Sie war die Jüngste von drei Kindern in einer Anmatyerre-Familie. Ihre Schwägerin war die Künstlerin Minnie Pwerle. Minnies Tochter Barbara Weir wurde später eine bedeutende Künstlerin für sich allein; Emily war ihre Hüterin für sieben Jahre, bis Weir im Rahmen des staatlichen Assimilationsprogramms für Kinder gemischter Herkunft gewaltsam aus ihrer Heimat entfernt wurde, einem der Tausende Fälle, die als Stolen Generations bekannt wurden.

National Gallery of Australia (Facebook): Emily: I Am Kam, eine Produktion von Tamarind Tree Pictures für NITV, hergestellt in Zusammenarbeit mit Screen Australia und Screen Territory.

Als Älteste und Ahnenhüterin des Anmatyerre-Volkes hatte Emily aus zeremoniellem Zweck bereits Jahrzehnte lang gemalt, bevor Acrylfarbe in Utopia ankam. Ihr Zweitname Kame bedeutet die gelbe Blume und die Samen des Bleistift-Yamswurzels (anwerlarr), einer Pflanze, deren Knollen eine lebenswichtige Nahrungsquelle in der Wüste waren und deren unterirdische Spurpfade immer wieder in ihren späteren Werken erscheinen. Sie war die Hüterin zweier großer Traumzeitgeschichten: Alatyeye (Bleistift-Yamswurzel) und Kame (Yamswurzelsamen). Als sie schließlich ihre Gemälde beschrieb, war ihre Antwort immer dieselbe: „Das Ganze, das ist das Ganze. Awelye, arlatyeye, arkerrthe, ntange, tingu, ankerre, intekwe, atnwerle und kame. Das male ich, das Ganze.“

Ihr Weg zur Batik führte über Erwachsenenbildungskurse in der Utopia Station in den 1970er Jahren, wo sie gemeinsam mit anderen Frauen lernte, was zur Utopia Women's Batik Group wurde, die 1978 offiziell gegründet wurde. Die Technik war von der Linguistin und Kunstmitarbeiterin Jenny Green und anderen, die mit staatlich geförderten Bildungsprogrammen verbunden waren, in die Region eingeführt worden. Aborigine-Frauen, darunter Emily, passten sie an ihre eigenen künstlerischen Instinkte an, arbeiteten mit Pinseln statt mit dem traditionellen indonesischen Canting und schufen breitere, lebendigere Muster. Die Batik-Periode dauerte mehr als ein Jahrzehnt und legte den kompositorischen Grundstein für alles, was danach kam.

Emily Kame Kngwarreye, Emu-Woman, Erstes Gemälde

Emily Kame Kngwarreyes erstes Acrylgemälde, Emu-Woman, 1988. National Museum of Australia.

Der Wendepunkt kam im Sommer 1988. Der CAAMA Shop (Central Australian Aboriginal Media Association), der in Zusammenarbeit mit Utopia Art Sydney arbeitete, verteilte 100 Leinwände und Farben an die Frauen von Utopia, koordiniert von Rodney Gooch. Es gab keine kommerziellen Erwartungen und keine Fristen. Die Künstlerinnen wurden einfach eingeladen, ein neues Medium auszuprobieren. Emilys erste Leinwand, Emu-Woman, gehörte zu den 81 Werken, die zurückkamen. Sie erregte sofort die Aufmerksamkeit der Kritiker. Die darauf folgende Ausstellung, A Summer Project, wurde vollständig von der Holmes a Court Collection erworben und startete die Malerei-Karrieren von Emily und Dutzenden anderen Utopia-Künstlerinnen.

Ihr erster Stil, der zwischen 1989 und 1991 entwickelt wurde, basierte auf Punkten: kunstvoll geschichtet, variierend in Größe und Farbe, manchmal übereinander liegend, um Tiefe und Bewegung zu erzeugen. Während die Papunya Tula-Tradition die Punktmalerei zu sorgfältigen, distinkten Mustern formalisiert hatte, war Emilys Version etwas völlig anderes, dichte Felder von Markierungen, die zu pulsieren schienen. Bis 1992 waren ihre Leinwände so dicht geschichtet, dass die symbolische Unterschicht darunter nicht mehr sichtbar war. Sie bewegte sich in Richtung Abstraktion, während sie nach ihrem eigenen Verständnis völlig konkret blieb: Die Punkte waren das Land, die Zeremonie, die Spurpfade der Yamswurzeln unter der Erde.

Mit wachsendem Selbstvertrauen erweiterte sie ihre Bandbreite. Sie begann, große Pinsel zu verwenden, arbeitete schneller und in größerem Maßstab, manchmal zog sie den Pinsel, während sie Punkte setzte, und erzeugte Linien aus aufeinanderfolgenden Markierungen. Bis Mitte der 1990er Jahre hatte sie die von ihr als „dump dump“ bezeichnete Technik entwickelt: große, mit Farbe beladene Pinsel wurden in die Leinwand gedrückt, sodass sich die Borsten teilen und die Farbe auf der Oberfläche vermischt, was eine strukturierte, fast dreidimensionale Farbe erzeugt. Werke wie Alaqura Profusion (1993), die mit einem Rasierpinsel in leuchtenden Farbtönen entstanden, zeigen die Technik in ihrer ausdrucksstärksten Form. Später noch, in ihren letzten Jahren, wurden die Markierungen noch weiter vereinfacht. Dicke Acrylstriche, abgeleitet von awelye, den Designs, die für Zeremonien auf die Körper von Anmatyerre-Frauen gemalt werden, durchqueren Leinwände, die für westliche Augen abstrakt wirken, aber nach ihren Begriffen so präzise sind wie eine Landkarte.

Emilys erste Einzelausstellung fand 1990 bei Utopia Art Sydney statt. 1992 reiste sie nach Canberra, um von Premierminister Paul Keating und dem Australia Council eine Creative Fellowship für australische Künstlerinnen zu erhalten. Die Nachfrage nach ihren Werken war inzwischen außergewöhnlich hoch, übertraf ihre Fähigkeit, diese Nachfrage zu bedienen, und zog die Carpetbagger an, die der kommerzielle Boom der indigenen Kunst während der gesamten 1990er Jahre mit sich brachte.

1997, im Jahr nach ihrem Tod, vertrat Emily Australien bei der Biennale von Venedig gemeinsam mit Yvonne Koolmatrie und Judy Watson. Die Ausstellung mit dem Titel Fluent war eine Ausstellung mehrerer Generationen, die ausgewählt wurde, um das Spektrum der künstlerischen Erfahrung der Aborigines darzustellen. Es war das erste Mal, dass Australien ein rein aborigines und rein weibliches Team nach Venedig schickte.

Der Auktionsrekord für ihre Werke spiegelt ihre Stellung wider. 2007 wurde ihr großes Vier-Panel-Gemälde Earth's Creation (1994), mit den Maßen 2,7 Meter mal 6,3 Meter, bei Lawson-Menzies in Sydney für 1.056.000 A$ verkauft, der damals höchste Preis, der jemals für eine australische Künstlerin erzielt wurde. 2017 wurde dasselbe Gemälde erneut über CooeeArt Marketplace für 2.100.000 A$ verkauft und stellte damit erneut den Rekord für eine australische Künstlerin auf. Das Gemälde war vor diesem Verkauf im National Museum of Australia, im National Museum of Art in Osaka und bei der 56. Biennale von Venedig im Jahr 2015 ausgestellt worden.

Eine große Retrospektive, kuratiert von den Aborigine-Kuratorinnen Kelli Cole und Hetti Perkins, wurde im Dezember 2023 in der National Gallery of Australia eröffnet und lief bis April 2024. Die Ausstellung zog dann in die Tate Modern in London um, wo sie vom 10. Juli 2025 bis zum 11. Januar 2026 lief, die erste großformatige Präsentation ihrer Werke, die jemals in Europa stattfand. Dass diese beiden Institutionen beschlossen, bei einer Retrospektive einer Künstlerin zusammenzuarbeiten, die ihr ganzes Leben in einer abgelegenen Wüstengemeinde verbrachte, weniger als zwanzig Wörter Englisch sprach und erst in ihren späten Siebzigern mit dem Malen begann, ist kein Zufall. Es ist der Punkt.

25 berühmte Aborigine-Künstlerinnen, die Sie kennen sollten

Referenzen und weiterführende Literatur