Alexandra Crosby , Université de technologie de Sydney ; Jason De Santolo , Université de technologie de Sydney ; Peter McNeil , Université de technologie de Sydney , et Treena Clark , Université de technologie de Sydney
Les Australiens autochtones ont influencé la tenue vestimentaire australienne moderne depuis le premier contact. Des capes en peau d'opossum aux capes de kangourou booka en passant par les colliers de coquillages de Tasmanie, les Européens ont été fascinés par les matériaux, les compétences et l'esthétique autochtones. Ils les ont volés, achetés, empruntés et portés pendant plus de 200 ans.
À leur tour, les Australiens autochtones ont parfois aimé porter les vestes rouges des soldats comme butin de bataille et se sont peut-être moqués des Européens en portant leurs hauts-de-forme avec arrogance dans les premières rues de Sydney.
Plus tard, alors que les premiers Australiens furent dépossédés de leurs terres et regroupés dans des réserves et des missions, des vêtements leur furent imposés, allant des robes informes de « mère Hubbard » pour les femmes aux costumes deux pièces en laine minables mais respectables pour les hommes.
Les pratiques vestimentaires traditionnelles, ainsi que les cérémonies, le langage et la musique, étaient souvent interdites par les colonisateurs. Les missionnaires enseignaient souvent le travail du cuir à l’occidentale aux hommes et la couture aux femmes – mais de puissants hybrides de tenues vestimentaires autodéterminées ont également émergé, exprimant des gestes subversifs et une résistance silencieuse.
Au milieu du XXe siècle, des religieuses missionnaires de l'extrême nord de l'Australie ont commencé à permettre aux femmes autochtones de fabriquer leurs propres textiles. Il en résulte des tissus aux couleurs vives, avec des combinaisons inhabituelles de motifs. Alors que les centres d'art autochtones se développaient à travers l'Australie à partir des années 1970, principalement dans des communautés isolées, l'hybride fertile de la peinture et du design textile a généré des looks totalement nouveaux, conduisant à la révolution textile autochtone.
Pendant un certain temps, l’art autochtone australien a souvent été considéré comme l’avenir d’un design typiquement australien, comme en témoigne l’énergie de Jenny Kee et Linda Jackson dans les années 1970, mais dans l’ensemble, le design autochtone n’a pas été reconnu à part entière. Cela est en train de changer : le design de mode autochtone est aujourd’hui façonné par les membres des Premières Nations à tous les niveaux.
Le week-end dernier, la Foire d'art aborigène de Darwin s'est tenue dans le pays de Larrakia . Pour la deuxième année consécutive, un grand défilé de mode s'apparentant davantage à un spectacle a rempli le grand centre de congrès de Darwin. L'événement mode From Country to Couture, organisé le 7 août, a mis à l'honneur la mode et le design textile. Mais il y avait une très grande différence par rapport à la manière dont un tel défilé aurait eu lieu dans les années 1980, voire dans les années 1990.
La mode autochtone concerne un nouveau cadre d’autodétermination. From Country to Couture a été conçu, coordonné, produit, organisé et mobilisé à partir de points de vue entièrement autochtones. Cela s’est manifesté de plusieurs manières frappantes – depuis l’inclusion de modèles autochtones jusqu’aux accents profonds d’un morceau de musique « black power ».
Cette année, la directrice créative de l'événement était Grace Lillian Lee, dont les propres créations figurent dans d'importantes collections, notamment au Musée des arts et des sciences appliqués de Sydney. Grace dirige également un projet appelé First Nation Fashion + Design qui entretient les relations entre les artistes autochtones et l'industrie de la mode. Lee note qu'elle « donne aux femmes et aux hommes noirs les moyens de faire entendre leur voix dans le domaine de la mode, qui ne doit pas toujours être ouvertement politique, mais qui peut simplement être beau et très amusant ».
Lee a travaillé avec des dizaines d'artistes, principalement issus de centres d'art autochtones éloignés. Les approches textiles allaient de la sérigraphie, du batik, du tissage, de la teinture naturelle, de l'impression numérique et de la broderie. Certaines de ces collaborations avaient l’énergie de nouvelles expériences, tandis que d’autres sont en cours.
La collection anniversaire de la marque de vêtements Tiwi Bima Wear , en collaboration avec Clair Helen, a célébré les 50 ans de l'entreprise créative féminine. Les designs ont travaillé avec les motifs géométriques par excellence de Bima dans des combinaisons audacieuses. Le message portait autant sur une industrie éthique et dirigée par la communauté que sur de beaux textiles et vêtements.
La mode a toujours été collaborative. Elle s'appuie sur les compétences variées de créateurs textiles, de fabricants, de petites mains , de stylistes, de marketeurs, de photographes, de distributeurs, ainsi que de designers. Pourtant, depuis la fin du XVIIIe siècle, l’idée de la mode s’est développée autour d’un individu puissant : le créateur de haute couture.
La mode autochtone remet en question cette focalisation sur les créateurs héros – dont beaucoup sont des hommes dans la société occidentale. Basé sur un engagement communautaire profond, il remet en question la compréhension conventionnelle du créateur de mode en tant qu'auteur unique et individuel et s'appuie sur les talents d'un grand nombre de femmes.
Autant une performance culturelle qu'un défilé de mode, l'événement de Lee à Darwin comprenait un décor et un récit de tabagisme, de brûlage et de régénération pour relier les six collections, entrecoupés de spectacles de danse de Luke Currie-Richardson et Yolanda Lowatta.
From Country to Couture a souligné comment le succès du mouvement du design textile dans les communautés autochtones isolées a façonné la mode haut de gamme en Australie. Mais cela a également marqué une nouvelle voie à suivre, fondée sur les relations communautaires, pour le design de mode autochtone. 
Alexandra Crosby , maître de conférences en design, Université de technologie de Sydney ; Jason De Santolo , professeur agrégé, Université de technologie de Sydney ; Peter McNeil , professeur émérite d'histoire du design, UTS, Université de technologie de Sydney , et Treena Clark , doctorante, relations publiques et activisme autochtones, Université de technologie de Sydney
Cet article est republié à partir de The Conversation sous une licence Creative Commons. Lisez l' article original .