À Anmatyerr, une peinture au sol est connue sous le nom d' Ahelh Anety-irrem , qui signifie « sol brisé » ou peut-être même « sol transformé ». Ce nom fait référence au processus consistant à dégager une surface plane sur la terre rouge, à construire une sculpture puis à la déconstruire.
Les Anmatyerr vivent dans la communauté désertique de Laramba, à 200 kilomètres au nord-ouest d'Alice Springs. Leurs œuvres sont présentées pour la première fois en Suisse.
En décembre, quatre hommes de Laramba se sont rendus dans le canton du Valais, juste à l'est de Genève.
L'aîné Michael Tommy, Morris Wako, Cliffy Tommy et Martin Mpetyan/Kemarr Hagan (l'un des auteurs de cette pièce) ont été invités à créer trois peintures au sol pour l'exposition internationale Rien de trop beau pour les Dieux.
Travaillant aux côtés d'artistes du Cameroun, du Tibet, de Cuba et d'Aotearoa en Nouvelle-Zélande, le groupe Anmatyerr représentait une culture typiquement australienne.
Création des peintures
Outre les motifs corporels et les objets, les peintures au sol ont été une source culturelle importante pour l’émergence de l’art contemporain du désert au début des années 1970.
Au cours de cette décennie, les hommes Anmatyerr, Warlpiri, Luritja et Pintupi ont commencé à expérimenter la représentation de motifs et d'histoires cérémonielles à l'aide de peinture acrylique.
S'inspirant en grande partie de motifs et d'histoires ancrés dans les activités religieuses d'Australie centrale, ces hommes ont développé le style de peinture « à points », aujourd'hui connu dans le monde entier.
Deux des peintures au sol exposées en Suisse ont été principalement réalisées à partir d'une marguerite indigène ( Chrysocephalum apiculatum ), ou anteth mpay-mpay dans la langue anmatyerr.
La plante a été récoltée sur les terres d'Anmatyerr, hachée finement et colorée avec des ocres rouges ou blanches avant d'être expédiée en Suisse.
Un bouquet de plumes de cacatoès ainsi qu'un alkwert (bouclier en bois de haricot) et un atnartenty (poteau cérémoniel) fabriqués par l'artiste anmatyerr Wayne Scrutton ont également fait le voyage.
Michael Tommy, un expert en cérémonies du peuple Anmatyerr, a supervisé la réalisation des motifs cérémoniels.
Chacun de ces hommes possédait des liens personnels avec différents modèles. Martin a créé la sculpture terrestre du rrpwamper (opossum à queue en brosse) appartenant au père de sa mère.
Morris a peint les rêves d'atwerneng (fourmi volante) et de rrwerleng (grevillea miel) de son père.
Michael et Cliffy ont construit la peinture au sol de leur père et de leur grand-père représentant une fourmi à miel.
Les œuvres ont été créées dans la galerie pendant trois jours, avec des artistes d'autres parties du monde venant régulièrement discuter et partager des idées.
Pendant que les hommes travaillaient, ils chantaient les chansons de chaque motif. Leurs voix résonnaient dans la pièce et donnaient vie à des œuvres imprégnées de traditions anciennes, mais aussi profondément ancrées dans le présent.
Lors de la soirée d'ouverture, les hommes ont peint leurs corps avec les motifs appropriés et ont expliqué comment leur art était né d' Anengekerr (Rêve), de la Patrie et de l'héritage familial. L'échange a été traduit en français pour le public local.
La culture de l'enregistrement
En 2023, les hommes de Laramba ont commencé à enregistrer leurs traditions cérémonielles, reconnaissant que ces pratiques étaient vulnérables dans un monde en évolution rapide.
Jason Gibson, l'un des auteurs de cet article, a collaboré étroitement avec la communauté au cours des 15 dernières années pour le rapatriement d'enregistrements de cérémonies pertinents provenant de la collection Strehlow et d'autres collections. La collection Strehlow est composée d'enregistrements de cérémonies, de rituels et de chants aborigènes d'Australie centrale, collectés par l'anthropologue TGH Strehlow entre 1932 et 1972. Elle est aujourd'hui conservée au Centre de recherche Strehlow d'Alice Springs.
Des collections de musée comme celle-ci ont été constituées par des anthropologues au cours des 130 dernières années et contiennent des informations importantes sur les pratiques cérémonielles, l'histoire familiale et les récits du Pays. L'accès à ces documents a permis à la communauté de réfléchir en profondeur à la manière dont l'art et les collections des musées pourraient être utilisés à leur avantage.
Les hommes ont désormais décidé de constituer leur propre collection, au service de leur avenir culturel .
Une partie de cette stratégie a consisté à contacter des galeries et des musées à la recherche de collaborations.
En donnant et en montrant, ils s’efforcent d’établir de meilleures relations et une plus grande reconnaissance.
L'art aborigène en Europe
Créée en 2018 par la collectionneuse Bérengère Primat , la Fondation Opale est le seul centre d'art contemporain dédié à la promotion de l'art aborigène australien en Europe.
L'architecture et la décoration du bâtiment mettent en valeur les thèmes aborigènes d'Australie. Un drapeau aborigène flotte sur le toit et des sculptures de boomerangs et de boucliers ornent le parc. Cette culture du désert se détache sur un arrière-plan contrasté de neige et de glace alpines.
Bien qu’inhabituel, le cadre a créé un lieu familier et réconfortant à partir duquel travailler.
Ces hommes ont été soigneusement sélectionnés pour leur expertise en cérémonies. Michael Tommy avait réalisé des peintures acryliques aux côtés de Clifford Possum et Tim Leura, fondateurs de la peinture acrylique dans le désert, mais aucun d'entre eux n'avait été invité à se faire connaître ni n'avait cherché à se faire connaître en tant que peintre. Leur priorité a été de préserver le chant et les cérémonies.
Les connaissances enchâssées dans les œuvres créées par ces hommes en Suisse ne sont connues que d'un petit groupe de personnes à Laramba et dans les communautés environnantes. Les peintures au sol sont généralement réalisées uniquement dans le cadre de cérémonies locales.
Seulement à quelques autres occasions, des hommes d'Anmatyerr et des hommes Warlpiri ont créé des peintures au sol pour un public international, notamment à l'Asia Society de New York en 1988 et à l'exposition Magiciens de la Terre à Paris en 1989.
L'exposition « Les Magiciens de la Terre », organisée par Jean-Hubert Martin, a suscité la controverse en présentant les pratiques artistiques non occidentales sur un pied d'égalité avec les traditions artistiques d'Europe occidentale et d'Amérique du Nord. Elle a profondément influencé la manière dont l'art contemporain est compris et présenté à l'échelle mondiale, et demeure une référence pour les discussions sur la représentation culturelle et l'inclusion dans le monde de l'art.
L'exposition « Rien de trop beau pour les dieux », également organisée par Martin, met en lumière la relation entre des formes de spiritualité et des pratiques artistiques issues de cultures diverses. C'était le contexte idéal pour que ces hommes démontrent l'imbrication de leur art et de leurs pratiques religieuses. Elle a également montré comment des traditions ancrées dans un territoire peuvent s'inscrire dans un débat contemporain et mondial.
Les trois œuvres seront désormais exposées en permanence à la Fondation Opale. Une culture pratiquée et partagée est une culture préservée. 
Jason M. Gibson , chercheur principal DECRA, patrimoine culturel et études muséales, Université Deakin et Martin Mpetyan Hagan , assistant de recherche, projet Ingkantety, Université Deakin
Cet article est republié par The Conversation sous licence Creative Commons. Lire l' article original .
