Emily Kame Kngwarreye : vie et art

Les prouesses artistiques de sa famille étaient remarquables. Étant la plus jeune d'une famille de trois frères et sœurs, elle était apparentée à l'artiste acclamée Minnie Pwerle et à l'artiste accomplie Barbara Weir, sa nièce. Ce lien familial avec d’éminents artistes autochtones souligne le riche héritage artistique dont Emily faisait partie.

La jeunesse d'Emily a été marquée par les activités traditionnelles typiques des femmes autochtones de son époque. Elle s'est engagée dans des pratiques cérémonielles et a été impliquée dans des travaux manuels dans les élevages de bétail, ce qui contrastait nettement avec ses efforts artistiques ultérieurs. En juin 1934, son travail au MacDonald Downs Homestead marque une phase importante de sa vie, jetant les bases de sa résilience et de son adaptabilité, traits qui définiront plus tard sa carrière artistique.

Son parcours dans le monde de l’art a commencé relativement tard dans sa vie. Ce n'est que vers 1988, alors qu'elle avait environ 80 ans, qu'Emily a subi une métamorphose artistique transformatrice. Elle est passée de l'art textile traditionnel du batik, qu'elle pratiquait depuis 1977, au médium alors inconnu de la peinture acrylique. Cette transition n'était pas seulement une étape personnelle mais aussi un événement important dans l'histoire de l'art australien, marquant un changement dans la perception et l'expression de l'art aborigène.

Première peinture acrylique d'Emily Kame Kngwarreye, Emu-Woman, Musée national d'Australie

Avant sa peinture acrylique, les efforts artistiques d'Emily étaient principalement axés sur la peinture cérémonielle traditionnelle de la région d'Utopia. Son incursion dans le batik, une technique de teinture textile, a commencé sous la tutelle de Yipati, un artiste Pitjantjatjara. Ces conseils ont été complétés par Suzanne Bryce, Jenny Green et Julia Murray. La technique du batik, introduite dans les Territoires du Nord en 1974 par Bryce et Green, était une méthode consistant à appliquer de la cire chaude sur le tissu avant la teinture, ce qui permettait d'obtenir des motifs complexes. Les artistes autochtones, dont Emily, ont adapté cette technique pour l'adapter à leur sensibilité artistique, en utilisant des pinceaux au lieu du chant traditionnel indonésien. Cela a conduit à la création de motifs plus larges et plus animés sur le tissu, une innovation stylistique qui a marqué une période de transformation pour les femmes artistes autochtones, traditionnellement reléguées à des rôles de soutien derrière les peintres masculins.

En 1978, Emily, avec plusieurs autres artistes autochtones de premier plan, fonde le groupe Utopia Women's Batik. Ce groupe a commencé comme une entreprise communautaire, mais a finalement évolué vers une plateforme où les artistes individuels pouvaient cultiver et exprimer leur identité artistique unique. Il a joué un rôle crucial dans l’autonomisation des femmes artistes autochtones et dans la promotion d’un sentiment de communauté et d’expression artistique collective.

L’année 1988 a été charnière pour Emily. Le « A Summer Project », initié par CAAMA Shop et Utopia Art Sydney, a été un moment décisif dans sa carrière. Rodney Gooch, directeur de la Central AustralianAboriginal Media Association (CAAMA), a apporté un soutien crucial en distribuant des toiles et des peintures aux femmes d'Utopia, les encourageant à expérimenter l'acrylique sans les pressions des exigences commerciales.

Au cours de ce projet, Emily et 79 autres peintres ont produit un total collectif de 81 œuvres. Ce fut un moment révolutionnaire pour les femmes autochtones dans le monde de l’art, car cela leur a fourni une plateforme pour mettre en valeur leur talent et leur créativité sur une scène plus large. L'approche d'Emily en matière de peinture était distinctive et non conventionnelle. Elle étalait de grandes sections de toile sur le sol et peignait en tailleur à l'aide d'un pinceau étendu. Cette méthode, aboutissant parfois à l'inclusion accidentelle d'empreintes de chiens dans son travail, met en valeur son style authentique et sans prétention.

Ses premières peintures se distinguaient par une application audacieuse et inventive de la technique du pointillage. Bien que ce style soit répandu dans l'art aborigène du désert central, l'interprétation d'Emily était distinctement la sienne. Ses points étaient complexes et multiformes, conférant une impression de mouvement dynamique et de profondeur.

L'art d'Emily était profondément enraciné dans son lien avec sa patrie tribale d'Alhalkere. Ses œuvres représentaient la flore, la faune et les personnages du Temps du Rêve, aspects essentiels de sa culture d'Anmatyerre. Les points de ses œuvres rayonnaient de la vivacité et de la vigueur du paysage australien, marqués par des motifs rythmiques et des teintes vives et contrastées.

Un motif récurrent dans son art était l’igname, une source vitale de subsistance dans l’environnement désertique. Son deuxième prénom, « Kame », qui signifie « fleur d'igname jaune », signifiait son lien profond avec cette plante vitale. Son art n'était pas seulement un régal visuel mais aussi un support narratif, résumant l'essence aux multiples facettes de la vie et de la culture de sa communauté, y compris l'importance des plants d'igname.

Avec une confiance croissante dans ce médium, Emily a élargi sa gamme artistique. Elle a commencé à expérimenter des lignes audacieuses, un autre élément crucial dans son développement artistique. Ses peintures au trait, marquées par des traits amples et fluides, marquent un changement par rapport aux points détaillés de ses œuvres antérieures. Ces lignes, souvent larges et continues, traversaient la toile, capturant l'immensité et l'ouverture du désert utopique. Cette approche contrastait fortement avec sa technique de pointillage dense, mais elle était tout aussi efficace pour transmettre l'essence de ses racines culturelles et environnementales.

Une caractéristique notable du travail d'Emily était sa méthode de « dump dump », où elle appliquait de la peinture par grands traits. Cette technique produit des surfaces texturées presque tridimensionnelles sur ses toiles, introduisant une couche supplémentaire de profondeur et de complexité à son travail. La méthode du « dump dump » illustre sa volonté de s'écarter des normes traditionnelles et de découvrir de nouvelles voies pour exprimer son lien avec son pays et sa culture.

Au cours de ses dernières années, les œuvres d'Emily ont également embrassé ce que l'on appelle souvent le « travail à la ligne ». Cette étape était caractérisée par une approche plus minimaliste, utilisant moins de couleurs et des dessins plus simples et plus abstraits. Ces pièces étaient profondément réfléchies et introspectives, reflétant une artiste mature au zénith de ses capacités créatives, éliminant avec confiance les superflus pour se concentrer sur le cœur de son message.

Tout au long de sa carrière, Emily a toujours honoré son héritage tout en repoussant les limites de l'art autochtone. Ses techniques pionnières et son utilisation audacieuse de la couleur et de la forme lui ont valu une reconnaissance nationale et internationale. Son art transcendait la simple représentation de son environnement physique, incarnant plutôt son affinité spirituelle avec la terre et sa culture.

Le talent artistique d'Emily a été salué à l'échelle internationale. En 1992, elle a reçu une bourse de création d'artiste australien du Premier ministre Paul Keating et de l'Australia Council. Sa participation à la Biennale de Venise de 1993 a encore renforcé sa stature de sommité artistique mondiale. Sa participation à un événement international aussi prestigieux était non seulement une réalisation personnelle, mais aussi un moment de fierté pour la communauté autochtone, mettant en valeur son riche héritage culturel sur une plateforme mondiale.

La demande pour les œuvres d'Emily a explosé tant au niveau national qu'international, ses peintures atteignant des prix d'enchères remarquables. Son chef-d'œuvre « Earth's Creation I » a établi un record sur le marché de l'art, devenant l'œuvre d'art la plus chère réalisée par une artiste australienne lorsqu'elle s'est vendue à 1 056 000 A$ en 2007. Ce record a été encore dépassé lorsque le même tableau a atteint 2 100 000 A$ en 2017. un témoignage de son influence durable et de l'appréciation croissante de l'art autochtone.

Cependant, la forte demande d’art autochtone dans les années 1990 a apporté son lot de défis. Le marché attirait des marchands d'art opportunistes et Emily, en tant qu'artiste vénérée, faisait face à une attention constante de la part d'individus (emballeurs de tapis). à la recherche de gains financiers rapides.

Le parcours artistique d'Emily Kame Kngwarreye témoigne de sa résilience, de son adaptabilité et de son dévouement inébranlable envers sa culture et son héritage. Dans le cadre d'un développement important, une exposition majeure de l'œuvre d'Emily Kame Kngwarreye est présentée à la National Gallery of Australia jusqu'au 28 avril 2024. Cette exposition prestigieuse témoigne de son influence durable sur le monde de l'art et est sur le point d'honorer le Tate Gallery de Londres, renforçant ainsi sa position d'icône internationale des arts.

Son histoire transcende les frontières de l'art, servant de récit inspirant sur la préservation culturelle, l'innovation artistique et le pouvoir de l'expression créative pour rapprocher les communautés et les cultures. Le travail d'Emily reste un témoignage vibrant et dynamique d'une riche culture autochtone et de sa place vitale dans le récit artistique mondial. Son héritage continue d'inspirer de nouvelles générations d'artistes, tant en Australie que dans le monde, et ses contributions au monde de l'art sont célébrées comme un phare de résilience culturelle et d'éclat artistique.