Emily Kame Kngwarreye : vie et art

Les prouesses artistiques de sa famille étaient remarquables. Étant la plus jeune d'une fratrie de trois, elle était apparentée à l'artiste de renom Minnie Pwerle et à l'artiste accomplie Barbara Weir, sa nièce. Ce lien familial avec d'éminents artistes aborigènes souligne le riche héritage artistique dont faisait partie Emily.

La jeunesse d'Emily fut marquée par des activités traditionnelles typiques des femmes aborigènes de son époque. Elle participait à des pratiques cérémonielles et à des travaux manuels dans des fermes d'élevage de bétail, ce qui contrastait nettement avec ses efforts artistiques ultérieurs. En juin 1934, son travail à la ferme MacDonald Downs marqua une étape importante de sa vie, jetant les bases de sa résilience et de son adaptabilité, traits qui définiraient plus tard sa carrière artistique.

Son parcours dans le monde de l'art a commencé relativement tard dans sa vie. Ce n'est qu'en 1988, alors qu'elle avait environ 80 ans, qu'Emily a connu une métamorphose artistique transformatrice. Elle est passée de l'art textile traditionnel du batik, qu'elle pratiquait depuis 1977, à la peinture acrylique, un médium alors inconnu. Cette transition n'a pas seulement été une étape personnelle, mais aussi un événement important dans l'histoire de l'art australien, marquant un changement dans la perception et l'expression de l'art aborigène.

La première peinture acrylique d'Emily Kame Kngwarreye, Emu-Woman, Musée national d'Australie

Avant de se consacrer à la peinture acrylique, Emily s’est principalement consacrée à la peinture cérémonielle traditionnelle dans la région d’Utopia. Elle a commencé à s’intéresser au batik, une technique de teinture textile, sous la tutelle de Yipati, une artiste Pitjantjatjara. Suzanne Bryce, Jenny Green et Julia Murray ont complété cette orientation. La technique du batik, introduite dans les Territoires du Nord en 1974 par Bryce et Green, consistait à appliquer de la cire chaude sur le tissu avant la teinture, ce qui permettait d’obtenir des motifs complexes. Les artistes aborigènes, dont Emily, ont adapté cette technique pour l’adapter à leur sensibilité artistique, en utilisant des pinceaux au lieu du canting indonésien traditionnel. Cela a conduit à la création de motifs plus larges et plus animés sur le tissu, une innovation stylistique qui a marqué une période de transformation pour les femmes artistes aborigènes, qui avaient traditionnellement été reléguées à des rôles de soutien derrière les peintres masculins.

En 1978, Emily et plusieurs autres artistes aborigènes de premier plan ont fondé le Utopia Women's Batik Group. Ce groupe a commencé comme une initiative communautaire, mais a fini par évoluer vers une plateforme où les artistes individuels pouvaient cultiver et exprimer leur identité artistique unique. Il a joué un rôle crucial dans l'autonomisation des femmes artistes aborigènes et dans la promotion d'un sentiment de communauté et d'expression artistique collective.

L'année 1988 fut une année charnière pour Emily. Le « A Summer Project », lancé par la boutique CAAMA et Utopia Art Sydney, fut un tournant dans sa carrière. Rodney Gooch, le directeur de la Central Australian Aboriginal Media Association (CAAMA), apporta un soutien crucial en distribuant des toiles et des peintures aux femmes d'Utopia, les encourageant à expérimenter l'acrylique sans la pression des exigences commerciales.

Au cours de ce projet, Emily et 79 autres peintres ont produit un total de 81 œuvres. Ce fut un moment révolutionnaire pour les femmes autochtones dans le monde de l'art, car cela leur a fourni une plateforme pour mettre en valeur leur talent et leur créativité sur une scène plus vaste. L'approche d'Emily en matière de peinture était distinctive et non conventionnelle. Elle étalait de grandes sections de toile sur le sol et peignait en tailleur à l'aide d'un pinceau allongé. Cette méthode, qui se traduisait parfois par l'inclusion accidentelle d'empreintes de chien dans son travail, mettait en valeur son style authentique et sans prétention.

Ses premières peintures se distinguaient par une application audacieuse et inventive de la technique du pointillage. Bien que ce style soit répandu dans l'art aborigène du désert central, l'interprétation d'Emily était tout à fait personnelle. Ses points étaient finement superposés et multifacettes, conférant une impression de mouvement dynamique et de profondeur.

L'art d'Emily est profondément ancré dans son lien avec sa tribu natale d'Alhalkere. Ses œuvres représentent la flore, la faune et les personnages du Temps du Rêve locaux, des aspects essentiels de sa culture Anmatyerre. Les points de ses œuvres reflétaient la vivacité et la vigueur du paysage australien, marqué par des motifs rythmiques et des teintes vives et contrastées.

L'igname, une plante vitale pour la survie dans le désert, était un motif récurrent dans son art. Son deuxième prénom, « Kame », qui signifie « fleur d'igname jaune », témoignait de son lien profond avec cette plante vitale. Son art n'était pas seulement un festin visuel, mais aussi un moyen narratif, qui résume l'essence multiforme de la vie et de la culture de sa communauté, y compris l'importance des ignames.

Avec une confiance croissante dans ce médium, Emily a élargi sa palette artistique. Elle a commencé à expérimenter le travail au trait audacieux, un autre élément crucial de son développement artistique. Ses peintures au trait, marquées par des traits amples et fluides, ont marqué un changement par rapport aux pointillés détaillés de ses premières œuvres. Ces lignes, souvent larges et continues, traversaient la toile, capturant l'immensité et l'ouverture du désert utopique. Cette approche contrastait fortement avec sa technique de pointillés denses, mais elle était tout aussi efficace pour transmettre l'essence de ses racines culturelles et environnementales.

L'une des caractéristiques notables du travail d'Emily était sa méthode du « dump dump », qui consistait à appliquer la peinture en larges et larges coups de pinceau. Cette technique produisait des surfaces texturées, presque tridimensionnelles, sur ses toiles, introduisant une couche supplémentaire de profondeur et de complexité dans son travail. La méthode du « dump dump » illustrait sa volonté de s'écarter des normes traditionnelles et de découvrir de nouvelles voies pour exprimer son lien avec sa terre natale et sa culture.

Dans ses dernières années, les œuvres d'Emily adoptèrent également ce que l'on appelle souvent le « travail au trait ». Cette étape se caractérisait par une approche plus minimaliste, utilisant moins de couleurs et des motifs plus simples et plus abstraits. Ces pièces étaient profondément réfléchies et introspectives, reflétant une artiste mature au zénith de ses capacités créatives, éliminant avec assurance le superflu pour se concentrer sur l'essentiel de son message.

Tout au long de sa carrière, Emily a toujours honoré son héritage tout en repoussant les limites de l’art aborigène. Ses techniques novatrices et son utilisation audacieuse de la couleur et de la forme lui ont valu une reconnaissance nationale et internationale. Son art transcende la simple représentation de son environnement physique, incarnant plutôt son affinité spirituelle avec la terre et sa culture.

Le talent artistique d'Emily lui a valu une reconnaissance internationale. En 1992, elle a reçu une bourse de création artistique australienne du Premier ministre Paul Keating et du Conseil australien. Sa participation à la Biennale de Venise de 1993 a encore renforcé sa stature de sommité artistique mondiale. Sa participation à un événement international aussi prestigieux n'était pas seulement une réussite personnelle, mais aussi un moment de fierté pour la communauté aborigène, mettant en valeur son riche héritage culturel sur une plateforme mondiale.

La demande pour les œuvres d'Emily a grimpé en flèche à l'échelle nationale et internationale, ses peintures atteignant des prix d'enchères remarquables. Son chef-d'œuvre « Earth's Creation I » a établi un record sur le marché de l'art, devenant l'œuvre d'art la plus chère d'une artiste australienne lorsqu'elle a été vendue pour 1 056 000 dollars australiens en 2007. Ce record a été encore dépassé lorsque le même tableau a atteint 2 100 000 dollars australiens en 2017, ce qui témoigne de son influence durable et de l'appréciation croissante de l'art aborigène.

Cependant, la forte demande d'art autochtone dans les années 1990 a apporté son lot de défis. Le marché a attiré des marchands d'art opportunistes et Emily, en tant qu'artiste vénérée, a dû faire face à une attention incessante de la part d'individus (carpet baggers). à la recherche de gains financiers rapides.

Le parcours artistique d'Emily Kame Kngwarreye témoigne de sa résilience, de sa capacité d'adaptation et de son dévouement indéfectible à sa culture et à son héritage. Une exposition majeure de l'œuvre d'Emily Kame Kngwarreye est présentée à la National Gallery of Australia jusqu'au 28 avril 2024. Cette exposition prestigieuse témoigne de son influence durable sur le monde de l'art et est sur le point d'être présentée à la Tate Gallery de Londres, consolidant ainsi sa position d'icône internationale des arts.

Son histoire transcende les frontières de l’art, servant de récit inspirant sur la préservation culturelle, l’innovation artistique et le pouvoir de l’expression créative pour rapprocher les communautés et les cultures. L’œuvre d’Emily reste un témoignage vivant et dynamique de la richesse de la culture aborigène et de sa place essentielle dans le récit artistique mondial. Son héritage continue d’inspirer de nouvelles générations d’artistes, tant en Australie qu’à travers le monde, et ses contributions au monde de l’art sont célébrées comme un exemple de résilience culturelle et de génie artistique.

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