Emily Kame Kngwarreye : vie et œuvre

En juin 1934, une jeune femme anmatyerre s’est présentée à la ferme MacDonald Downs, à 100 kilomètres à l’est de sa terre d’Alhalkere, pour travailler dans la maison et rassembler le bétail. Elle s’appelait Emily Kame Kngwarreye. Elle avait peut-être 24 ans. Elle passera des décennies dans cet univers de travail pastoral, de cérémonies et de lien à la terre avant de prendre un pinceau. Lorsqu’elle le fera enfin, à l’été 1988, elle aura environ 80 ans. Au cours des huit années qui suivront, elle produira plus de 3 000 peintures. À sa mort à Alice Springs en septembre 1996, elle aura changé la manière dont le monde comprenait l’art aborigène.

Emily est née vers 1910 à Alhalkere, dans les terres ancestrales d’Utopia, dans le Territoire du Nord, à environ 250 kilomètres au nord-est d’Alice Springs. Elle était la plus jeune de trois enfants d’une famille anmatyerre. Sa belle-sœur était l’artiste Minnie Pwerle. La fille de Minnie, Barbara Weir, deviendra plus tard une artiste de renom à part entière ; Emily fut sa gardienne pendant sept ans, jusqu’à ce que Weir soit retirée de force de sa terre ancestrale dans le cadre du programme d’assimilation gouvernemental destiné aux enfants métisses, l’un des milliers de cas qui allaient devenir connus sous le nom de Générations volées.

Galerie nationale d’Australie (Facebook) : Emily : I Am Kam, une production de Tamarind Tree Pictures pour NITV, réalisée en association avec Screen Australia et Screen Territory.

En tant qu’aînée et gardienne ancestrale du peuple anmatyerre, Emily peignait à des fins cérémonielles depuis des décennies avant l’arrivée de la peinture acrylique à Utopia. Son deuxième prénom, Kame, désigne la fleur jaune et les graines de l’anwerlarr, un tubercule dont les racines souterraines sont une source de nourriture essentielle dans le désert et dont les lignes de traçage apparaissent à plusieurs reprises dans ses œuvres ultérieures. Elle était la gardienne de deux grands Rêves : Alatyeye (anwerlarr) et Kame (graines d’anwerlarr). Lorsqu’elle finit par décrire ses peintures, sa réponse est toujours la même : « Tout ça, c’est tout ça. Awelye, arlatyeye, arkerrthe, ntange, tingu, ankerre, intekwe, atnwerle et kame. C’est ce que je peins, tout ça. »

Elle s’initie au batik grâce à des cours d’éducation pour adultes à Utopia Station dans les années 1970, où elle apprend aux côtés d’autres femmes au sein de ce qui deviendra le groupe de batik des femmes d’Utopia, officiellement fondé en 1978. La technique avait été introduite dans la région par la linguiste et l’intervenante artistique Jenny Green ainsi que par d’autres personnes associées à des programmes éducatifs financés par le gouvernement. Les femmes aborigènes, dont Emily, l’adaptent pour qu’elle corresponde à leur propre instinct artistique, travaillant au pinceau plutôt qu’avec le canting indonésien traditionnel, produisant des motifs plus larges et plus animés. La période du batik dure plus d’une décennie et pose les bases compositionnelles de tout ce qui suivra.

Première peinture acrylique d’Emily Kame Kngwarreye, Emu-Woman, 1988. Musée national d’Australie.

Le tournant a lieu à l’été 1988. Le CAAMA Shop (Central Australian Aboriginal Media Association), en association avec Utopia Art Sydney, distribue 100 toiles et des peintures aux femmes d’Utopia, sous la coordination de Rodney Gooch. Il n’y a ni attentes commerciales ni délais. Les artistes sont simplement invitées à essayer un nouveau médium. La première toile d’Emily, Emu-Woman, figure parmi les 81 œuvres qui reviennent. Elle attire immédiatement l’attention des critiques. L’exposition qui s’ensuit, A Summer Project, est acquise dans son intégralité par la collection Holmes a Court et lance les carrières picturales d’Emily et de dizaines d’autres artistes d’Utopia.

Son premier style, développé entre 1989 et 1991, repose sur des points : minutieusement superposés, variant en taille et en couleur, parfois placés les uns sur les autres pour créer de la profondeur et du mouvement. Là où la tradition de Papunya Tula avait formalisé la peinture pointilliste en motifs précis et distincts, la version d’Emily est quelque chose de totalement différent : des champs denses de marques qui semblent pulser. En 1992, ses toiles sont si densément superposées que la couche symbolique sous-jacente n’est plus visible. Elle évolue vers l’abstraction tout en restant, selon sa propre compréhension, entièrement concrète : les points représentent la terre, les cérémonies, les lignes de traçage des racines de tubercules souterraines.

Avec une confiance croissante, elle élargit son répertoire. Elle commence à utiliser de grands pinceaux, travaillant plus vite et à plus grande échelle, traçant parfois le pinceau tout en faisant des points, produisant des lignes à partir de marques successives. Au milieu des années 1990, elle a ouvert la voie à ce qu’elle appelle la technique « dump dump » : de grands pinceaux chargés de peinture sont pressés contre la toile afin que les poils s’écartent et que la peinture se mélange à la surface, produisant une couleur texturée, presque tridimensionnelle. Des œuvres comme Alaqura Profusion (1993), réalisées avec un pinceau à tailler dans des teintes éclatantes, montrent la technique dans toute son exubérance. Plus tard encore, au cours de ses dernières années, les marques se simplifient davantage. De larges bandes d’acrylique dérivées de l’awelye, les motifs peints sur les corps des femmes anmatyerre pour les cérémonies, traversent des toiles qui paraissent abstraites aux yeux des Occidentaux mais qui sont, selon ses propres termes, aussi précises qu’une carte.

La première exposition personnelle d’Emily a lieu en 1990 à Utopia Art Sydney. En 1992, elle se rend à Canberra pour recevoir une bourse de création pour artiste australien de la part du Premier ministre Paul Keating et du Conseil australien des arts. La demande pour ses œuvres est alors devenue extraordinaire, dépassant sa capacité à y répondre et attirant les spéculateurs que le boom commercial de l’art autochtone a attirés tout au long des années 1990.

En 1997, l’année après sa mort, Emily représente l’Australie à la Biennale de Venise aux côtés d’Yvonne Koolmatrie et de Judy Watson. L’exposition, intitulée Fluent, est une présentation multigénérationnelle choisie pour représenter tout le spectre de l’expérience artistique aborigène. C’est la première fois que l’Australie envoie une équipe entièrement aborigène et exclusivement féminine à Venise.

Le record aux enchères de ses œuvres reflète son statut. En 2007, sa grande peinture en quatre panneaux Earth's Creation (1994), mesurant 2,7 mètres sur 6,3 mètres, est vendue chez Lawson-Menzies à Sydney pour 1 056 000 A$, le prix le plus élevé atteint à l’époque par une artiste australienne. En 2017, cette même peinture est à nouveau vendue, par l’intermédiaire de CooeeArt Marketplace, pour 2 100 000 A$, établissant à nouveau le record pour une artiste australienne. Avant cette vente, la peinture avait été exposée au Musée national d’Australie, au Musée national d’art d’Osaka et à la 56e Biennale de Venise en 2015.

Une grande rétrospective, organisée par les commissaires aborigènes Kelli Cole et Hetti Perkins, s’ouvre à la Galerie nationale d’Australie en décembre 2023 et se poursuit jusqu’en avril 2024. L’exposition se déplace ensuite à la Tate Modern de Londres, où elle se tient du 10 juillet 2025 au 11 janvier 2026, la première présentation à grande échelle de son œuvre jamais organisée en Europe. Le fait que ces deux institutions aient choisi de collaborer à une rétrospective d’une artiste qui a passé toute sa vie dans une communauté désertique isolée, parlait moins de vingt mots d’anglais et n’a commencé à peindre qu’à la fin de ses soixante-dix ans n’est pas anecdotique. C’est tout le point.

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Références et lectures complémentaires

• Emily Kame Kngwarreye, Musée national d’Australie — exposition, chronologie et entretien avec l’artiste
• Emily Kam Kngwarray, Galerie nationale d’Australie — rétrospective de 2023 organisée par Kelli Cole et Hetti Perkins
• Emily Kam Kngwarray, Tate Modern — rétrospective de la Tate Modern, Londres, 2025
• Earth's Creation, Khan Academy — analyse de la peinture pour l’histoire de l’art AP
• Emily Kame Kngwarreye, Wikipédia — avec des références aux essais de catalogue de Margo Neale