Pendant plus d'un millier de générations, les Autochtones n'ont fait aucune distinction entre l'art et l'artisanat. L’art était, et est toujours, un mode de vie et autant une question de fonction que de beauté et de forme. Les formes artistiques continuent d'être utilisées pour donner aux aborigènes les compétences, les connaissances et les outils pratiques nécessaires pour survivre, prospérer et gérer le continent australien.
L'idée selon laquelle ces formes d'art devraient être marginalisées en tant que « traditionnelles » et « artisanales » est un mythe qui est dissipé par la montée des tisserands du désert de Tjanpi . Il s'agit d'une entreprise du Conseil des femmes de Ngaanyatjarra Pitjantjatjara Yankunytjatjara (NPYWC), où plus de 300 femmes aborigènes de 28 communautés isolées des déserts occidentaux et centraux de l'Australie se réunissent pour créer leur art.
Pour les Autochtones, l'artisanat et les arts sont intrinsèquement liés, qu'il s'agisse du tissage, de la fabrication d'outils, de la danse et du chant, ou de la peinture sur des parois rocheuses et sur des corps. Mais il a fallu attendre la naissance du marché de l’art aborigène, né du commerce des souvenirs des années 1960, pour que l’œuvre aborigène soit considérée comme de l’art par le secteur de l’art contemporain australien.
Cette semaine, il est réconfortant de voir des artistes tels que les Tjanpi Desert Weavers donner des masterclasses au Victorian College of the Arts et être célébrés lors de la Biennale TarraWarra 2014 dans le cadre de la Melbourne Art Fair .
Art contre artisanat
Cependant, il nous reste encore beaucoup à faire.
Les envahisseurs britanniques du continent ont reconnu que la culture jouait un rôle majeur dans la « colonisation » du territoire. En plus du génocide physique, ils ont nié leur culture aux autochtones.
L’un des aspects les plus subtils et les plus persistants de ce génocide culturel est la séparation de « l’art » et de « l’artisanat » en deux formes distinctes. C’est ainsi que la domination européenne sur le reste du monde culturel s’est exercée en Australie – en garantissant que le secteur artistique australien, dominé par les blancs, continue d’être l’arbitre de ce qui constitue l’art et de ce qui ne l’est pas.
Au début des années 1990, l’artiste pionnier Lin Onus (le père de l’un des auteurs de cet article) a exploré la notion d’exclusion dans l’art australien à travers une série d’œuvres explorant les œuvres de l’illustrateur du XIXe siècle Ellis Rowan . Rowan a été exclue de l'exposition lorsqu'il a été découvert qu'elle était une femme et non un homme.
Tout comme la notion d’artisanat en tant que forme est utilisée pour marginaliser les aborigènes, les insulaires du détroit de Torres et d’autres groupes culturels, l’artisanat est souvent considéré comme le domaine exclusif des femmes. Lorsque l’artisanat est synonyme d’œuvres culturelles et de pratiques féminines, cela affirme intrinsèquement mais à tort que l’art contemporain australien est le domaine des hommes blancs.
La célébration actuelle des Tjanpi Desert Weavers en tant qu’artistes australiens contemporains va à l’encontre de cette pratique. L’idée qui sous-tend cette célébration devrait être appliquée à tous les niveaux. Les dot painting sont presque unanimement considérées comme « traditionnelles », alors qu’en réalité le travail à la peinture acrylique sur toile est une innovation qui assure la contemporanéité de la pratique.
De même, alors que presque tous les autres tissages continuent d’être considérés comme un « artisanat traditionnel », une fois que l’on retire la fonction de la forme, nous pouvons le considérer comme de l’art. La croyance selon laquelle l'art peut être fonctionnel et dynamique est intrinsèque à la culture autochtone : il n'est pas nécessaire qu'il se trouve sur un mur d'une galerie ou derrière une vitrine dans un musée pour être considéré comme de l'art.
De vrais innovateurs
Nous devrions considérer les tisserands du désert de Tjanpi comme de véritables innovateurs de l'art contemporain. Le travail qu'ils accomplissent est au cœur de l'art et de la culture autochtones. Ce sont des artistes perspicaces qui travaillent dans un contexte communautaire avec des matériaux facilement disponibles tels que des laines colorées, du grillage et des herbes. Ils sont capables de s'inspirer des techniques transmises de génération en génération et d'innover à partir de celles-ci, en les fusionnant avec leurs expériences vécues au 21e siècle.
S'il devrait être évident que tous les grands artistes regardent le monde qui les entoure et reflètent leur expérience et leurs idées dans la forme et le contenu de leur travail, cela s'applique moins souvent aux artistes aborigènes et insulaires du détroit de Torres.
Trop souvent, les Autochtones sont incapables de définir eux-mêmes comment ils sont présentés au monde en tant qu'artistes. Ceci est prédéfini pour eux dans un monde qui perçoit une distinction entre l’art et l’artisanat « traditionnels » et l’art « contemporain », un monde où l’art autochtone est une marchandise.
Tout comme les tisserands du désert de Tjanpi sont des innovateurs dans la forme d'art qu'ils ont choisie, ils le sont également en changeant la façon dont le monde de l'art perçoit l'art aborigène. Ils ont créé un précédent dans le monde de l’art contemporain australien qui devrait être largement repris dans l’ensemble du secteur.
La Biennale TarraWarra 2014 : Whisper in My Mask se déroule du 16 août au 16 novembre au TarraWarra Museum of Art.
Tiriki Onus , maître de conférences en connaissances et pratiques culturelles autochtones, Wilin Centre for Indigenous Arts and Cultural Development, Université de Melbourne et Eugenia Flynn , coordonnatrice des opérations, Wilin Centre for Indigenous Arts and Cultural Development, Université de Melbourne
Cet article a été initialement publié sur The Conversation . Lisez l' article original .