En avril, The Australian a publié les résultats d’une enquête de quatre mois sur « l’ingérence » du personnel blanc chez Tjala Arts, membre du collectif APY Arts Center Collective des centres d’art autochtones d’Australie du Sud.
Il comprenait une vidéo d'un directeur de centre d'art peignant sur la toile de Yaritji Young, pour « pimenter » un peu le tout.
Les commentaires médiatiques en cours ont été source de division et de confusion. L’une des questions que cela soulève est la suivante : que font réellement les directeurs artistiques et les assistants de studio dans les centres d’art des communautés autochtones éloignées ?
50 ans de centres d'art aborigène
Les centres d’art éloignés sont au cœur de l’industrie de l’art contemporain autochtone qui connaît aujourd’hui un succès international. Ils ont généralement un directeur de centre d’art blanc et d’autres employés supervisés par un conseil d’administration autochtone.
Papunya Tula Artists en Australie centrale, constituée en 1972, est l'ancêtre commun du modèle de centre d'art financé par l'État.
Papunya Tula a marqué la transition du paternalisme de l'ère de la mission à l'autodétermination autochtone, soutenue par la création de l'Aboriginal Arts Board.
Le 3 mai 1973, un communiqué de presse du bureau du Premier ministre Gough Whitlam annonçait :
Les aborigènes se sont vu confier l'entière responsabilité de développer leurs propres programmes artistiques dans le cadre d'une nouvelle politique gouvernementale visant à revitaliser les activités culturelles par l'intermédiaire du Conseil australien des arts.
Ce qui a suivi a été une révolution, menée par et pour les artistes autochtones, avec du personnel non autochtone employé pour servir d’intermédiaire avec le monde de l’art.
Aujourd’hui, cette main-d’œuvre est majoritairement composée de jeunes femmes diplômées en arts visuels ou en gestion des arts. Ils opèrent dans environ 90 collectifs appartenant à des aborigènes dans toute l’Australie reculée. Le roulement du personnel est élevé et le recrutement est une tâche pérenne.
Une chose interculturelle
Le fait troublant n’est pas que « l’art autochtone est une chose blanche », comme l’a déclaré l’artiste et activiste autochtone Richard Bell en 2002. L’art autochtone est plutôt « une chose interculturelle », rassemblant les créateurs autochtones et non autochtones.
Malgré l’objectif commun et les triomphes des industries culturelles dans la célébration de l’art autochtone, l’ombre de la colonisation australienne n’est jamais loin.
Les conditions dans les centres d’art éloignés ont évolué depuis les années 1970, mais les aspects pratiques sont essentiellement les mêmes. Le personnel du centre d'art soutient les artistes sur les plans social, culturel et logistique pour garantir que les artistes soient heureux de créer leur œuvre dans un espace culturellement sûr.
Le personnel gère également les demandes externes du marché, les calendriers d'exposition, la responsabilité bureaucratique (envers les organismes et institutions de financement, par exemple) et le plaidoyer.
L'assistance au studio consiste à acheter du matériel d'art, à étirer et à apprêter la toile, à récolter des matières premières telles que l'ocre, l'écorce ou le bois, ainsi qu'à emballer, transporter et distribuer les œuvres et à voyager avec les artistes aux expositions.
Le niveau de soutien dépend des besoins de chaque artiste. Les centres d'art accueillent souvent des personnes âgées et des artistes handicapés. Certains artistes ont une forte motivation créative ; certains travaillent lentement ou de manière incohérente.
Quelle que soit la forme d’art, un bon travail prend beaucoup de temps. La production artistique est fréquemment interrompue « en pleine toile » pour s'occuper d'autres activités telles que des événements culturels, des funérailles ou des soins médicaux.
Un espace collaboratif ?
La direction de l’APY Art Center Collective a fermement nié les allégations de toute interférence avec les peintures ou « le Tjukurrpa » (le terme Aṉangu désignant leur système de croyance spirituelle global). Leur site Web indique actuellement qu'une assistance pratique, telle que la « sous-couche », est une pratique courante.
La sélection des couleurs et le mélange de la peinture, l'apprêt et la délégation des toiles, le lavage des pinceaux et l'entretien général, ainsi que les échanges réguliers et la réactivité à l'art font tous partie du rôle de l'assistant de studio.
Une certaine influence esthétique sur le produit final est tout à fait naturelle, mais peindre directement sur la toile ne fait jamais partie de la description de poste. Non déclaré, beaucoup le considéreraient comme frauduleux.
En 1997, lorsque je suis allé travailler pour la première fois dans un centre d'art du désert occidental, le message des artistes était simple : vendez nos peintures et soyez franc avec nous.
Il était également clair que les peintures proposées à la vente – aux institutions publiques, aux collectionneurs avertis et aux acheteurs de souvenirs – répondraient à un certain niveau.
Le « contrôle qualité » est un terme ambivalent, mais il est implicite et attendu dans le métier.
En 1996, Kathleen Petyarre a remporté le lucratif Telstra Art Award pour sa peinture Storm in Atnangkere Country II. Il a été révélé plus tard qu’elle était « aidée » par son partenaire blanc.
À la suite d’une enquête, Petyarre a conservé sa paternité légitime de l’œuvre, mais cela a incité les centres d’art à reconnaître le « travail créatif », lorsqu’il est délégué par l’artiste et particulièrement au sein de la famille, comme une pratique culturellement acceptée – qui doit être attribuée en conséquence.
Le droit de déterminer qui peut collaborer sur des œuvres d’art et comment s’applique aux artistes du monde entier. Les studios de Jeff Koons et Damien Hirst sont des exemples extrêmes de création artistique entreprise par des assistants de studio. Les artistes autochtones profitent également d'ateliers avec des spécialistes dans des domaines aussi variés que la gravure, le moulage du bronze, l'animation ou la verrerie.
C'est aux artistes d'abord, puis aux institutions, aux conservateurs, au marché et aux critiques d'art, d'évaluer au cas par cas ces collaborations et ces échanges.
Récits culturels et réalités quotidiennes
Un rôle clé dans les centres d’art est de « prendre l’histoire ». C'est ici que le personnel du centre d'art documente la peinture de l'artiste avec une photo et le Tjukurrpa ou pays associé.
Ces « certificats d'authenticité » documentant des histoires culturellement importantes garantissent que les œuvres sont de véritables œuvres aborigènes ou insulaires du détroit de Torres. Ils soutiennent également la commercialisation, la promotion et l’interprétation de nombreuses expositions d’art contemporain provenant de communautés éloignées.
C'est le décalage entre ces récits culturels puristes et les réalités des studios interculturels très occupés qui place les artistes, leur personnel et l'ensemble de l'industrie dans une position aussi paradoxale.
La confiance et l'éthique sont au cœur de ces relations de travail. Il est peu pratique de créer davantage de règles et impossible de faire respecter la manière dont les artistes et le personnel interagissent dans le cadre des centres d'art, mais il est temps de reconnaître ces échanges avec une nouvelle histoire. 
Una Rey , affiliée industrielle principale, Université RMIT
Cet article est republié à partir de The Conversation sous une licence Creative Commons.